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Channel: Adivina Quién Viene al Cine
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ESTRENOS DEL 25 DE DICIEMBRE

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La llegada de las navidades ha trastocado las fechas de estrenos. Tanto esta semana, como la próxima, los nuevos títulos se acomodan en las carteleras a mitad de semana y no lo viernes como es habitual. Lo curioso es que hayan escogido precisamente los días festivos del 25 de diciembre y el 1 de enero para estas presentaciones. Esta semana, para celebrar el día de Navidad contábamos con dramas familiares, historias de sexo, épicas históricas, dinosaurios y relectura New Age de clásicos del cine.

ismael

El director Marcelo Piñeyro siempre se ha caracterizado por abordar historias duras, de fuerte contenido social, y donde su mirada desvelaba el lado más oscuro del ser humano; sin embargo, para su último trabajo ha optado por una línea más optimista y conciliadora, donde las emociones de los personajes imperan sobre el contexto social en el que se desarrolla la trama. “Ismael” nos narra la historia de un niño de 10 años y de madre africana, que decide coger el AVE en Atocha rumbo a Barcelona para encontrar a Félix, su padre, al que nunca conoció. Ése mantiene también una relación distante con su propia madre, Nora, y a pesar del paso de los años, sigue emocionalmente marcado por el fin de su relación con la madre de Ismael, Alika. El encuentro que desencadena Ismael con el deseo de conocer a su padre biológico, hará que todos los personajes traten de saldar sus cuentas con el pasado. La cinta está protagonizada por el debutante Larsson do Amaral al que acompañan rostros más conocidos como Mario Casas, Belén Rueda, Sergi López, Juan Diego Botto, o la modelo Ella Kweku, en su primer papel en el cine.

nymphomaniac

A estas alturas de la historia es baladí afirmar que a Lars Von Trier le gusta agitar a la audiencia con todo tipo de polémicas, ya sea con los temas y enfoques de sus películas, como con las declaraciones que exabrupta cuando las promociona en diferentes festivales. Afortunadamente, su cine va más allá de esa provocación. El estreno en nuestro país de la primera entrega de su último trabajo “Nymphomaniac. Volumen 1” el mismo día de Navidad no es ajeno a esta particularidad. La cinta narra la loca y poética historia del recorrido de una mujer desde su nacimiento hasta los 50 años contada por Joe, la protagonista, que se auto diagnostica como ninfómana. Una fría noche de invierno, Seligman, un viejo y encantador soltero, descubre a Joe tirada en un callejón después de que le hayan dado una paliza. La lleva a su casa y la cuida mientras ella le cuenta durante 8 capítulos la exuberante y multifacética historia de su vida. Para esta historia de sexo y obsesión Lars Von Trier ha contado con un amplio reparto, repleto de estrellas de cine europeo y estadounidense, empezando por Charlotte Gainsbourg, quien parece haberse convertido en su musa tras protagonizar “Anti-Cristo” y “Melancolía”. La acompañan Stellan Skarsgard, Shia LaBeouf, Christian Slater, Jamie Bell, Uma Thurman, Willem Dafoe o Udo Kier, entre otros. La cinta ha contado con dos montajes alternativos, uno explícito, para el que se ha contado con dobles pornográficos para las escenas de sexo (un recurso ya empleado por Von Trier en “Anti-Cristo”), y otro levemente suavizado para facilitar su distribución internacional.

el médico

Desde su publicación en 1986, la novela “El Médico” de Noah Gordon se ha mantenido como uno de esos bestsellers indiscutibles de cualquier librería, inspirando además dos nuevas entregas tituladas “Chamán” y “La Doctora Cole”, publicadas en 1992 y 1996, respectivamente. Pese a la popularidad de la obra literaria, su paso al cine ha tardado casi 30 años en producirse, en parte por lo extenso y complejo de la historia que narra. De producción alemana, rodada en inglés y dirigida por Philipp Stölzl, la cinta busca retrotraer al espectador a las grandes superproducciones históricas hollywoodienses de los años 50 y 60, contado además con un reparto encabezado por el joven actor Tom Payne, y secundado por estrellas de prestigio como Stellan Skarsgard, Ben Kingsley y Olivier Martinez. Ambientada en el siglo XI, la cinta nos cuenta la vida de Rob J. Cole, hijo de una familia del gremio de carpinteros de Londres, quien a los nueve años se queda huérfano. La muerte de sus padres le descubre «su don», ya que es capaz de percibir si alguien está próximo a la muerte sólo con tocarlo. Cole es adoptado por un barbero que le enseña el oficio y durante años recorren Inglaterra montando espectáculos para atraer al público. Tras el fallecimiento de su padre adoptivo, conocerá a Benjamin Merlin, un médico judío al que pronto admirará y quien le descubrirá a su mentor, el científico persa Ibn Sina. Rob, determinado a convertirse en un gran médico, iniciará un emocionante viaje hacia Persia, donde se hará pasar por judío para poder estudiar en una escuela que no admite cristianos.

la leyenda del samurai

En el Japón feudal, los Ronins eran antiguos samuráis que perdían el favor de su señor feudal o éste fallecía y se veían obligados a convertirse en guerreros mercenarios para poder subsistir. Dentro de la tradición medieval, la historia de los 47 Ronins es una de las más populares leyendas japonesas, llevada al cine en múltiples ocasiones, siempre con producción nipona. Entre estas versiones podemos destacar la versión de 1941 dirigida por Kenji Mizoguchi o la realizada por Hiroshi Inagaki en 1962. “Le Leyenda del Samurai” supone la primera adaptación estadounidense de esta historia, en la que se ha optado por una vía más fantástica, además de introducir el obligatorio personaje occidental protagonista, interpretado por Keanu Reeves. Después de que un traicionero caudillo mate a su señor y le destierre, 47 intrépidos samuráis juran vengarse y recobrar el honor. La banda de "ronins" no tiene más remedio que pedir ayuda a Kai, un mestizo al que rechazaron anteriormente. El paria que antaño despreciaron se convertirá en su arma más letal y acabará transformándose en el héroe que inspirará a la banda de rebeldes a hacerse con la eternidad. La cinta está dirigida por el debutante Carl Rinsch (procedente del mundo de la publicidad y el videoclip, quien ya años atrás fue postulado por Ridley Scott como alternativa para dirigir “Prometheus”) y cuenta con un nutrido grupo de actores japoneses entre los que destacan Hiroyuki Sanada, Asano Tadanobu, Rinko Kikuchi, Kō Shibasaki y Jin Akanishi.

caminando entre dinosaurios

En plena efervescencia de los efectos digitales y tras el éxito de “Parque Jurásico”, la cadena BBC acometió el ambicioso proyecto de una serie documental para televisión que representara de manera realista y fidedigna la vida de los dinosaurios en la época prehistórica. Este proyecto obtuvo un gran éxito y fue aclamado por su cuidado a la hora de reconstruir de manera digital aquellas criaturas. Ahora, esa misma idea da el salto al cine en formato familiar, como película de animación para estas navidades. Dirigida por Barry Cook (responsable de “Mulan”) y Neil Nightingale (quien tiene entre sus créditos la producción de una quincena de documentales y especiales para BBC Earth, la división de BBC Entertainment dedicada a la historia natural) y escrita por John Collee (autor de los libretos de las dos entregas de “Happy Feet”), nos narra la historia de Patch, un encantador y concienzudo dinosaurio, y a su familia. Patch es el pequeño de la camada, y nadie espera que vaya a llegar muy lejos. Pero este triceratops tiene un espíritu fuerte y un gran corazón; lo que le falta de fuerza física lo compensa con una gran tenacidad. Seguiremos a Patch y a su familia en su larga migración anual para encontrar comida. Es un emocionante viaje, sembrado de peligros, en el que también encontraremos amigos y muchas aventuras.

walter mitty

Actor, cantante, bailarín y comediante, Danny Kaye fue uno de los artistas más populares del Hollywood entre los años 40 y 60 del pasado siglo. De su amplia filmografía, uno de sus trabajos más recordados es “La Vida Secreta de Walter Mitty”, entrañable película dirigida en 1947 por Norman Z. McLeod y coprotagonizada por Virginia Mayo y Boris Karloff. Ahora, Ben Stiller ha querido recuperar a este personaje en su nuevo trabajo como actor y director. La obra original nos contaba la historia de un pobre infeliz, que se evadía de la opresiva atmósfera familiar imaginando que es un héroe que vive grandes aventuras, hasta que, un día, sus sueños se convierten en realidad al conocer a una misteriosa mujer a la que persigue una banda de ladrones de joyas. Aquí Mitty es un gris trabajador de la revista Life, demasiado introvertido como para mantener relaciones sociales y que cubre sus carencias afectivas con las fantasías que pueblan su rico mundo interior. Para él todo cambia cuando debe emprender un viaje en busca de un misterioso fotógrafo de naturaleza y recuperar el negativo de una de sus fotografías. Con guion de Steven Conrad (“El Hombre del Tiempo”, “En Busca de la Felicidad”), la cinta cuenta también con la presencia de Kristen Wiig, Sean Penn, Adam Scott y Shirley MacLaine.


NOTICIAS 28 DE DICIEMBRE

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abrams EXTINCIÓN

J.J. Abrams ha adquirido los derechos para televisión de la webserie “Extinción”. Él mismo se encargará de dirigir el episodio piloto y ya se ha anunciado reparto protagonista. Milla Jovovich, Michelle Rodríguez y Gina Carano serán las encargadas de sustituir a Idaira Santana, Yasmina López e Isora Medina, mientras que el papel de Antonio Fajardo será interpretado por George Clooney. El estreno mundial del episodio piloto está previsto para el 2 de Septiembre de 2014 en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

hora de aventuras digital 104

El canal de animación Cartoon Network le ha encargado la nueva temporada de su serie “Hora de Aventuras” a la productora Digital 104. El primer episodio estará realizado por Jairo López, quien ya ha avanzado que toda la historia se desarrollará en un plano secuencia fijo. El cineasta ha afirmado que será un cruce entre Theo Angelopoulos y Béla Tarr. El estreno mundial del episodio piloto está previsto para el 12 de Octubre de 2014 en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

Cómo Ser José Luis de Madariaga

Wikileaks ha desvelado que el actor José Luis de Madariaga ha sido clonado 48 veces y que en realidad el verdadero se pasa el día en casa leyendo el periódico, mientras sus copias se dedican a rodar cortometrajes, películas, publicidad, ensayar las obras de teatro y preparar las zarzuelas. Por lo que ha podido desvelar la publicación, la última clonación tuvo lugar a principios de este año y el nuevo doble ha sido el encargado de dirigir su último cortometraje. La amplia información recopilada sobre este caso ha inspirado también un documental titulado “Cómo Ser José Luis de Madariaga” que se estrenará el 7 de abril en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

cine leve Warner_Bros

Por encima de “Superman vs Batman”, la gran apuesta para el verano de 2015 de Warner Bros es “Cine Leve. The Movie”, una producción de más de 320 millones de dólares, dirigida por Josep Vilageliu y Daniel León Lacave, que se está rodando en diferentes localizaciones de todo el planeta y que ha convocado a algunas de las principales estrellas de Hollywood. Ante las críticas que han surgido aludiendo que con este proyecto se está traicionando el espíritu del cine leve, León Lacave ha comentado que “será un piniculón que se caga la perra”. El estreno mundial está previsto para el 22 de agosto en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

lanadazombie

La actriz y directora Fátima Luzardo ha anunciado que la versión en DVD y Blu Ray de “lanadacotidiana” incluirá 45 minutos de metraje extra. La cineasta ha comentado que “tras incluir la secuencia final del apocalipsis zombie el público podrá comprender mejor el mensaje de la película y muchas de las incógnitas quedarán resueltas”. Este acontecimiento contará con un pase especial de la versión extendida el 6 de Febrero de 2014 en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

bryan singer - vasni ramos

Tras “Exodus” y “In the Heart of the Sea”, siguen llegando nuevas superproducciones a Canarias, la próxima contará con producción ni más ni menos que de Bryan Singer, quien ha escogido para dirigir un proyecto de ciencia ficción bélica al cineasta tinerfeño Vasni Ramos. El autor de “Verdad y Consecuencia” ha confesado sentirse “muy honrado por la propuesta, pero por menos de 30 millones de dólares no hago la película”. El estreno mundial está previsto para el 15 de agosto de 2015 en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

jeckyll & hyde

Tras finalizar el rodaje de “Igor”, nueva versión de “Frankenstein”, el actor Daniel Radcliffe, conocido por su papel de Harry Potter, ya se encuentra rodando a las órdenes de Cándido Pérez de Armas una nueva versión de “El Asombroso Caso del Dr. Jeckyll y Mr. Hyde”, junto al actor Lamberto Guerra, y de la que ya les podemos ofrecer la primera imagen promocional. Como podemos apreciar, Radcliffe será el encargado interpretar a la faceta oscura y violenta del protagonista, mientras que Guerra dará vida al buen doctor. Con este proyecto, Radcliffe y Pérez de Armas parecen haber enterrado el hacha de guerra después de que el actor vetara al cineasta para dirigir la segunda entrega de Harry Potter. El estreno mundial está previsto para el 22 de julio de 2014 en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

loteria fimucité

FIMUCITÉ 8 sigue desvelando su cartel para el próximo mes de julio. La organización ha anunciado que contará como invitados con Montserrat Caballé, Raphael, David Bustamante, Marta Sánchez y Niña Pastori, quienes ofrecerán en la Gala de Clausura una versión especial para orquesta sinfónica del anuncio de Lotería Nacional. Diego Navarro, director del Festival, ha comentado que se siente “muy orgulloso de poder contar con estos artistas, así como de poder interpretar en directo el mayor hito musical de este año y, posiblemente, de la década”. Este grupo de invitados protagonizará también la mesa redonda que tendrá lugar en TEA Tenerife Espacio de las Artes el 13 de julio.

raúl jiménez

Tras el éxito de su opera prima, “Muchachos”, el cineasta Raúl Jiménez se encuentra ya preparando su segundo largometraje, “Totufos”. El director ha confirmado que se trata de una secuela de su anterior trabajo, pero trasladando la acción al espacio exterior. “Será una historia de compromiso social y ciencia ficción, con muchos efectos especiales y rodada en 3D. Algo así como “Avatar”, pero en canario”, ha precisado el realizador. El estreno, cómo no, en TEA Tenerife Espacio de las Artes el 1 de mayo de 2015.

tomb rider sara febles

Paramount Pictures quiere que la actriz Sara Febles sea la protagonista del reboot de las aventuras de Lara Croft, sin embargo, el principal obstáculo de las negociaciones parece ser la apretada agenda de la actriz. “Estoy segura de que podremos llegar a un acuerdo”, ha dicho Febles, “esta mañana estuve reunida con José Luis de Madariaga y creo que hemos encontrado la solución”. El casting tuvo lugar el pasado 20 de diciembre en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

¡FELIZ DÍA DE LOS SANTOS INOCENTES A TODOS!

IN MEMORIAM 2013

FELIZ Y CINÉFILO 2014

ESTRENOS DEL 10 DE ENERO

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Finalizada la temporada navideña, mantenemos en la cartelera el periodo dedicado a las películas premiables en los próximos eventos que nos esperan, desde los Globos de Oro, los Goya (cuyas candidaturas se anunciaban esta semana) o, finalmente, los Oscars. Eso queda patente en los estrenos que nos llegan esta semana y representado especialmente en el último de ellos, “Agosto”, donde el peso actoral y el referente teatral en el que se basa son ya aspectos apetecibles de cara a las inquietudes de la Academia de Hollywood.

La Ladrona de Libros

Posiblemente el primer título que comentamos esta semana no tenga mucho margen de cara a los Oscars, pero, sin duda, entre sus ambiciones estaba formar parte de este selecto grupo. Adaptación de una popular novela de Markus Zusak, “La Ladrona de Libros” ambienta su historia durante la Alemania Nazi de la Segunda Guerra Mundial, cuenta con un director de prestigio en la pequeña pantalla (Brian Percival, realizador de varios episodios de la serie televisiva “Downton Abbey”), un grupo de actores ya respaldados por la estatuilla del Tío Oscar: Geoffrey Rush y Emily Watson, y una partitura musical ya candidata a los Globos de Oro, obra ni más ni menos que de John Williams (la primera partitura cinematográfica de este gran compositor para una película no dirigida por Steven Spielberg, desde que en 2005 participara en “Memorias de una Geisha”). La protagonista de la cinta es la joven actriz de origen canadiense Sophie Nélisse, quien destacara por su inocencia y dulzura en la película de 2011 “Profesor Lazhar”. Aquí interpreta a la pequeña Liesel quien vive de primera mano los horrores de la Segunda Guerra Mundial en Alemania, mientras su familia oculta en el sótano a un refugiado judío. La vía de escape de la protagonista a esta dura realidad social es la literatura, dedicándose a robar libros y compartirlos con la gente de su entorno para que así, estos sirvan también de alivio a sus más allegados.

La Gran Revancha

En 1976 Sylvester Stallone pasó de la pobreza al estrellato al protagonizar “Rocky”, convirtiéndose éste, junto con John Rambo, en el personaje más relevante de su filmografía. Años más tarde, Robert DeNiro, dirigido por Martin Scorsese, acuñó una de sus mejores interpretaciones con “Toro Salvaje”, donde daba vida al polémico Jake LaMotta, papel por el que alcanzó su segundo (y de momento último Oscar). Ahora, 16 años después de trabajar juntos en “Copland”, estos dos astros del cine (cada cual en su terreno) vuelven a colaborar en “La Gran Revancha”, donde interpretan a Henry “Razor” Sharp y Billy “El Niño” McDonnen, dos boxeadores locales de Pittsburgh cuya pugna llamó la atención a nivel nacional. Cada uno de ellos había vencido al otro en sus buenos tiempos, pero en 1983, en la víspera de su tercer combate, Razor repentinamente anunció su retiro, negándose a explicar la razón, pero asestando un golpe de gracia a ambas carreras. Treinta años después, Dante Slate Jr., un promotor de boxeo, ve la oportunidad de ganar mucho dinero y les hace una oferta que no pueden rechazar: volver a la lona y ajustar las cuentas de una vez por todas. Dirigida por Peter Segal (colaborador habitual de Adam Sandler en títulos como “Ejecutivo Agresivo”, “50 Primeras Citas” y “El Clan de los Rompehuesos”) y con la presencia de una recuperada Kim Basinger, además de Alan Arkin o el televisivo Jon Bernthal, esta cinta está lejos de triunfar en la ceremonia de los Oscars, como sí hicieran sus referentes, pasando a integrar las candidaturas a los premios Razzies, donde compite en los apartados de peor película y peor actor para ambos, Stallone y DeNiro.

The Grandmaster

El director Wong Kar Wai siempre se ha caracterizado por demorar cada uno de sus proyectos para cuidar al máximo el resultado final. Adaptar la vida de Ip Man en “The Grandmaster” le ha llevado 10 años de su vida, ofreciendo un sentido tributo al género de artes marciales a través de la figura de uno de los grandes iconos de esta disciplina. Protagonizada por el actor fetiche de Kar Wai, Tony Leung Chiu Wai y Zhang Ziyi (quien ya demostrara habilidad con las coreografías de lucha en “Tigre y Dragón”, “Hero” o “La Casa de las Dagas Voladoras”), la cinta cuenta también con las coreografías del mítico Yuen Woo-Ping (“Matrix”). Ip Man nació en Foshan, al sur de China, en el seno de una familia acomodada. La pasión que siente por el estilo Wing Chun le lleva a menudo al Pabellón de Oro, un elegante burdel donde se reúnen los maestros de Kung Fu. El gran maestro Gong Baosen llega a Foshan invitado a una ceremonia ante su inminente retiro. Su hija, heredera de la famosa y letal técnica de las “64 manos”, le acompaña en el viaje que le llevará a conocer a Ip Man. A pesar de haber sido testigo de los horrores de la invasión japonesa de Foshan, Ip Man no se rinde ante las dificultades. Funda una escuela de Wing Tsun en Hong Kong, donde no tarda en tener discípulos fieles, Bruce Lee entre ellos. Esta cinta ha sido seleccionada por China para representar a su país en el apartado de Mejor Película de Habla no Inglesa de cara a los Oscars.

Agosto

Dirigida por John Wells (productor televisivo responsable de éxitos como “Urgencias” o “El Ala Oeste de la Casa Blanca” y que debutó como director cinematográfico en 2010 con “The Company Men”) y basada en la obra de teatro homónima de 2006 escrita por Tracy Letts, “Agosto” se presenta como una de las favoritas en lo referente a las categorías de interpretación femenina, partiendo ya con sendas candidaturas a los Globos de Oro para Meryl Streep y Julia Roberts como Mejor Actriz Principal en Comedia o Musical y Mejor Actriz de Reparto respectivamente. Además la cinta cuenta con un excelso reparto donde encontramos también rostros populares como Ewan McGregor, Benedict Cumberbatch, Juliette Lewis, Abigail Breslin, Dermot Mulroney, Chris Cooper, Sam Shepard o Margo Martindale. “Agosto” cuenta la oscura, desternillante y emotiva historia de las fuertes mujeres de la familia Weston, cuyas vidas se han separado hasta que una crisis familiar les lleva de nuevo a la casa donde crecieron donde vive la disfuncional mujer que las crió.

ESTRENOS DEL 17 DE ENERO

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Como no podía ser de otra manera, la misma semana en la que se han entregado los Globos de Oro y se han anunciado las candidaturas a los Oscars, nos llegan dos títulos participantes de estas carreras de premios. De esta manera, poco a poco van estrenando en las carteleras los títulos nominados de este año y así, en breves semanas seguirán incorporándose títulos como “La Gran Estafa Americana”, “Nebraska”, “Philomena” o “Her”. Desgraciadamente, como suele ser habitual no todos los títulos se estrenarán en nuestras pantallas antes del 2 de marzo, como es el caso de “Dallas Buyers Club”, cuyo estreno está previsto para el 14 de marzo.

MANDELA

Basada en la autobiografía de Nelson Mandela, “Mandela. Del Mito al Hombre” es uno de esos títulos pensados para seducir a la Academia de Hollywood, pero que no terminan de completar su itinerario. El periodo histórico que trata, la transformación física de su actor protagonista, e incluso la fatídica coincidencia del estreno de la cinta con el fallecimiento del mandatario sudafricano eran elementos a su favor para obtener más candidaturas, sin embargo, la pobre carrera comercial de la cinta y las fría recepción crítica parecen haber pesado en su contra. De cara a los Globos de Oro obtuvo tres candidaturas (mejor actor, partitura original y canción) obteniendo sólo una de ellas (al tema “Ordinary Love” compuesto por Bono). En los Oscars sólo compite en el apartado de Mejor Canción (donde parte como favorita), sorprendiendo la ausencia de Idris Elba.

Dirigida por Justin Chadwick (“Las Hermanas Bolena”), con guion de William Nicholson (“Tierras de Penumbra”, “Gladiator”, “Los Miserables”), esta cinta recorre la excepcional vida del personaje, desde sus primeros años como niño pastor en el campo en Transkei hasta su investidura como el primer presidente democrático de Sudáfrica. Idris Elba se convierte en el principal adalid de esta película que, pese a todo, ha supuesto un espaldarazo a la carrera de este actor, cuya fama hasta ahora se debe más al terreno televisivo (gracias a series como “The Wire” o “Luther”). Le acompaña en el papel de Winnie Mandela Naomie Harris, actriz que se dio a conocer gracias a su papel de Calipso en la segunda y tercera entrega de “Piratas del Caribe” y a la que recientemente hemos visto en “Skyfall”.

EL LOBO DE WALL STREET

Cualquier estreno de una nueva película de Martin Scorsese es ya de por si un acontecimiento, si a esto le sumamos una nueva colaboración con Leonardo DiCaprio (la quinta tras “Gangs of New York”, “El Aviador”, “Infiltrados” y “Shutter Island”), y un guion escrito por Terence Winter (prestigioso creador de “Los Soprano” y “Boardwalk Empire”, esta última en alianza también con Scorsese), a partir de la autobiografía de Jordan Belfort, el resultado no puede ser más seductor. Basada en hechos reales, la cinta nos narra la historia del corredor de bolsa neoyorquino Jordan Belfort. Empezando por el sueño americano, hasta llegar a la codicia corporativa a finales de los ochenta, Belfort pasa de las acciones especulativas y la honradez, al lanzamiento indiscriminado de empresas en Bolsa y la corrupción. Su enorme éxito y fortuna cuando tenía poco más de veinte años como fundador de la agencia bursátil Belfort le valió el mote de El Lobo de Wall Street. Dinero. Poder. Mujeres. Drogas. Las tentaciones abundaban y el temor a la ley era irrelevante. Jordan y su manada de lobos consideraban que la discreción era una cualidad anticuada; nunca se conformaban con lo que tenían.

Nominada a cinco estatuillas (mejor película, director, guion adaptado, actor principal y actor secundario para Jonah Hill), la cinta llega a la cartelera también tras obtener el Globo de Oro a mejor actor principal de comedia o musical para Leonardo DiCaprio. Retrato del exceso, la cinta cuenta también con un amplio reparto de actores secundarios, donde junto a DiCaprio y Jonah Hill, podemos destacar a Margot Robbie, Matthew McConaughey, Kyle Chandler, Jon Bernthal, Rob Reiner, Jon Favreau o Jean Dujardin.

EL CINE DE JAIME FALERO. “EL CLAN” / “PROJECT 12. THE BUNKER”.

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Jaime-Falero
Copyright Domingo de Luis
A pesar de su corta filmografía, el cineasta Jaime Falero ya ha definido el tipo de proyecto en el que le gusta trabajar. Sus primeros cortometrajes, “El Último Negocio” de 2004 y “Dinero Negro” en 2006 lo situaron en ese marco de thriller postmoderno, con una puesta en escena deudora de directores como Quentin Tarantino o Guy Ritchie. En este sentido, las aspiraciones del joven cineasta siempre han sido altas, optando por un cine de corte comercial, en el que la presencia de ciertos actores de renombre sirva de atractivo para atraer al público (así ha sido con la presencia de Pepe Sancho, Beatriz Rico o Maribel Verdú en sus primeros trabajos, o ya en su última película nombres de peso internacional como Eric Roberts o James Cosmo). Su apuesta es también por producciones financiadas a través de inversores privados, con la promesa de la recuperación económica como pivote para la siguiente película. Otro elemento clave en todos sus trabajos hasta la fecha ha sido priorizar localizaciones de Tenerife para sus rodajes, defendiendo la posición de la isla como espacio geográfico polivalente ideal como plató cinematográfico, así como un equipo técnico y artístico local donde podemos encontrar grandes profesionales que han entrado a formar parte del equipo habitual del cineasta.
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"El Clan", copyright Film! Canary Islands
Tras su experiencia en el mundo del cortometraje y con el excelente documental “Al Margen de la Ley” a sus espaldas, Falero dio paso a su primer largometraje de ficción con “El Clan” (vista únicamente en un pase especial que tuvo lugar el pasado 15 de noviembre en la sala Artistic Metropol de Madrid). Producida por Film! Canary Islands y con un guion escrito a cuatro manos entre el director y el guionista Pedro J. Mérida, la cinta,ambientada a mediados de la década de los años 40 del siglo XX, nos narra la historia de un grupo de amigos, liderados por el limpiabotas Ricardo, que sobreviven en un ámbito de discreta ilegalidad, entre pequeños robos y estafas, y cuya suerte podría cambiar tras un arriesgado encargo, abriéndoles las puertas de la fortuna. El cuarteto protagonista es presentado de manera individualizada y contundente en todo el bloque de introducción de la película, dibujando los rasgos generales de todos ellos y sus características básicas, conformando así un conjunto de personajes complementarios entre sí donde cada uno asume funciones particulares a la hora de llevar a cabo sus pillajes. Así, Ricardo (Francisco Vera) es el líder del grupo y quien lleva la iniciativa, Antonio (Borja Elgea) es el galán, Amador (Octavi Pujades) es la fuerza bruta y Marcelo (Domingo de Luis) es el cerebro. El segundo acto de la cinta, el más extenso, se concentra en establecer el mundo en el que se desenvuelven estos personajes, sus conflictos particulares y, con pequeñas pinceladas, enriquecer el perfil psicológico de los protagonistas. A priori puede parecer un apartado que dilata la llegada de la acción, pero finalmente se revela como una parte fundamental de la película, necesaria para dar peso dramático al tercer bloque de la historia. En este tramo final, la cinta da una vuelta de tuerca a la trama, dirigiendo los eventos por un itinerario diferente en cuanto a tono y narración con respecto a los dos primeros tercios de película. Es aquí donde Falero da salida a su virtuosismo visual, componiendo una lujosa set piece caracterizada por el sentido de amenaza y violencia descarnada que transforma a esta historia de picaresca en una rotunda trama de honor, lealtad, traición y fatalidad que pone en juicio de valores la faceta más oscura del ser humano.
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"El Clan", copyright Film! Canary Islands
Aparte del cuarteto protagonista, cada cual exprimiendo las posibilidades de sus personajes, en la cinta destaca, a nivel interpretativo, el toque mefistofélico de un excelente Carlos Lasarte y la fiereza de un soberbio Pepe Sancho en el que fuera su último papel cinematográfico. La ambientación en los años 40 está muy lograda, jugando un papel fundamental también la cuidada fotografía de Santiago Torres, quedando como única (pequeña) pega que determinados elementos de atrezzo resultan demasiado impolutos para una historia tan sucia y realista. La planificación de Jaime Falero encuentra su mejor sintaxis en las manos del editor Vasni Ramos, quien provee a cada bloque de la película con el ritmo adecuado, aportando una estética de narrativa contemporánea a esta historia de corte clásico. Finalmente destacar también el excelente trabajo de Diego Navarro, capaz de integrar diferentes estilos y tonalidades a la película con una partitura que va del componente melódico clásico a ejercicios de composición postmodernos, compaginando además elementos de jazz dentro del sinfonismo imperante. La música, maravillosamente interpretada por la Orquesta Sinfónica de Tenerife bajo la batuta del compositor, refuerza la psicología de los personajes, al mismo tiempo que subraya de manera contundente secuencias complejas como la cacería del clímax final. “El Clan” se convierte así en una ejemplo modélico de cómo con una historia sencilla, pero bien construida, apoyada en un conjunto bien escogido de actores y el talento de un equipo bien afinado, puede superar las limitaciones presupuestarias para ofrecer una película de factura impecable.
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Conflictos legales entre el director y la productora han mantenido a “El Clan” cautiva, sin exposición pública salvo la ya mencionada proyección en Madrid el pasado 5 de noviembre. Mientras tanto, Falero inició la producción de su segundo largometraje de ficción, “Project 12. The Bunker”, financiado gracias a la ayuda de un conjunto de empresarios de las islas y desarrollado junto a Joaquín Sánchez, actor protagonista y aquí también productor de la cinta. Las limitaciones presupuestarias nuevamente obligaron a llevar a cabo una producción vertiginosa, con apenas un mes de rodaje y escasos tres meses para postproducción. Pese a presentar un argumento muy diferente, no son pocos los elementos que enlazan este segundo trabajo con “El Clan”. Aquí se nos narra una historia contemporánea, de corte de thriller, con elementos de acción y espionaje, que, de nuevo, en el tercer acto transmutan, en esta ocasión, en una trama de ciencia ficción. Los protagonistas son un grupo de mercenarios que han recibido el encargo de localizar a un antiguo oficial de la KGB encargado en su momento de desarrollar un proyecto secreto. Falero abre la película de manera poderosa con una intensa presentación de personajes que hace presuponer un metraje repleto de acción. La estructura de presentación individual de cada uno de los protagonistas, junto con el uso de la rotulación para identificarles, hace eco del primer bloque de “El Clan”, pero con un envoltorio de thriller que evoca referencias como “Misión Imposible” o la saga de Jason Bourne. Aquí vamos ya identificando las relaciones entre ellos, las lealtades y las rencillas, así como la identificación del villano de la trama. Joaquín Sánchez interpreta a Tabel, el líder del grupo, un hombre acostumbrado a una vida de violencia que ha marcado una relación distante con quienes le rodean, pero que ha conseguido mantener una cierta integridad moral basada en un estricto código de honor. Timothy Gibbs da vida a Bruno, su segundo de abordo, un hombre preciso y meticuloso, cargado de ambición y despiadado, capaz de desatar un infierno él solo. Irina (Natasha Alam) es el componente femenino del grupo, quien emplea su belleza como arma de infiltración, dividida entre el código de honor de Tabel y la ambición de Bruno. El cuarto componente del grupo es Alan (Tony Corbillo), el personaje menos definido del cuarteto, hasta el punto de que en el tercio final de la película prácticamente desaparece de la acción.
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Falero juega con las localizaciones de la isla para ambientar la historia en diferentes partes del mundo y lo consigue con cierta pericia (aunque nos cueste identificarlas como tales a los que nos hemos criado en esas localizaciones), sin embargo, en su afán por homenajear al cine de acción de los 80, también se cae en algunos de sus principales defectos. Pasado el explosivo inicio y con los personajes ya sobre la mesa, la película fracasa a la hora de establecer el desarrollo de la historia. Y es que el principal talón de Aquiles de “Project 12. The Buker” es un guion mal construido, incapaz de dar coherencia y peso narrativo a la historia, convirtiéndose en una consecución de secuencias que pretenden dar un empaque comercial y hollywoodiense al conjunto, pero que acaban siendo confusas e inconexas. La falta de un contenido dramático torpedea también el desarrollo psicológico de los personajes, que salvo el caso específico del personaje de James Cosmo (quien ofrece la mejor interpretación de la película), no pasan de un perfil bidimensional y esquemático. A partir de ahí es responsabilidad de los actores poder dar entidad a sus papeles, labor en la que destacan Joaquín Sánchez y Timothy Gibbs, quienes resultan plenamente convincentes en sus roles de héroes graníticos, así como a la hora de desarrollar las secuencias y coreografías de acción. Más irregular resulta el trabajo de Natasha Alam, mientas que Eric Roberts, con su bronceado de rayos UVA y sus dientes blanqueados, a penas transmite sensación de personaje, sino más bien de estar viendo al actor interpretándose a sí mismo en pantalla. Llegados al tercer acto de la película, cuando los personajes por fin llegan al búnker, al espectador le quedan dos opciones, o tirar la toalla o aceptar la naturaleza desproporcionada de la película y, por lo tanto, sus flaquezas e incongruencias. Nuestra recomendación es optar por la segunda alternativa, ya que con el giro hacia el género fantástico del último tercio el nivel de psicotronía se incrementa de manera aún más notable. La contención que pudiera tener la planificación de Falero en el segundo arco, se transmuta aquí en una espiral de acción desquiciada e inverosímil, pero entretenida si hacemos uso de la suspensión de incredulidad.
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Podemos decir que “Project 12. The Bunker” ha sido víctima de su propia naturaleza de cine de guerrilla con aspiraciones de superproducción. Aparte de las inconsistencias de guion, la producción se evidencia precipitada, filmada con prisas y con una postproducción atropellada para llegar a la fecha de estreno, al mismo tiempo que intenta cubrir los agujeros del rodaje. Afortunadamente, la película también cuenta con excelentes profesionales que ayudan a sacar a flote la historia. Ese es el caso de la excelente labor de fotografía de Juanmi Márquez, especialmente en todo el tramo que se desarrolla dentro del búnker, donde la iluminación ayuda a generar la sensación de claustrofobia en el espectador, al mismo tiempo que saca el máxima partido a las localizaciones. Lo mismo podemos decir del montaje de Vasni Ramos o los efectos digitales de Carlos Xerach, que logran salvar los muebles allí donde parecía que la partida estaba perdida, dando a la cinta un ritmo y una prestancia más opulenta de lo que cabría esperar de su presupuesto. Una vez más el apartado musical, responsabilidad en esta ocasión del músico Iván Palomares, juega una importante responsabilidad en el corte final de la película, aunque en un sentido muy distinto al que ofreciera Diego Navarro en “El Clan”. Aquí se prescinde de la complejidad, la experimentación y el clasicismo melódico de la anterior, en favor de una partitura más sencilla y directa, apoyada sobre todo en los sintetizadores y la electrónica, y que juega a replicar el modelo de los años 80, especialmente el minimalismo de John Carpenter o los componentes poperos de la serie B. Así, la música consigue dar con la identidad que necesita la película, y que con otra composición más elaborada hubiese subrayado de manera más evidente las carencias de la producción.
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Esperamos que, en breve, estas dos producciones puedan tener salida en el mercado nacional e internacional y sirvan de carta de presentación al excelente nivel de profesionales del sector audiovisual con que cuenta Canarias. Jamie Falero, por de pronto, ya ha avanzado que se encuentra desarrollando nuevos proyectos, ya dentro del ámbito de la industria de Hollywood. Esperamos que ese afán y esa ambición prospere con proyectos que saquen partido a su habilidad visual, pero también que ésta quede refrendada con un libreto más sólido que el de su último trabajo, y que el cineasta cuente con márgenes de producción más amplios para poder afinar mejor el resultado final.
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Copyright Domingo de Luis

ESTRENOS DEL 24 DE ENERO

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Esta semana las carteleras dan un descanso a la carrera hacia los Oscars y nos ofrecen títulos, en su mayor parte, de corte más comercial. Contamos con dos producciones españolas, al mismo tiempo que nos llega el remake de una película de culto y la primera visita que nos hará el héroe mitológico Hércules este año. Cerramos los estrenos con el cierre del díptico sexual de Lars Von Trier.

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Realizador de larga trayectoria televisiva, Santiago Tabernero ha sido una figura clave del programa “Versión Española” presentado por Cayetana Guillén Cuervo o más recientemente “Torres y Reyes”, con Mara Torres y Joaquín Reyes. Ha sido guionista de títulos como “Desvío al Paraíso”, “Taxi” o “Asfalto” y debutó en la dirección cinematográfica en 2005 con “Vida y Color”. Ahora se alía con el actor Eduardo Noriega para juntos escribir la adaptación de “Presentimientos”, novela de Clara Sánchez. En ella, encontramos a una joven pareja de clase media, Julia y Félix, cuya relación atraviesa un momento delicado. La idea de irse unos días de vacaciones a la playa puede ser la oportunidad que necesitan para recomponer su relación y volverse a enamorar. Al llegar a la urbanización donde pasarán las vacaciones discuten y Julia sale con el coche. Es de noche, el violento estruendo de un accidente le hace parar en el arcén y salir a averiguar qué ha pasado. Para su sorpresa no ve nada extraño. Al volver al coche descubre que le han robado el bolso con la documentación, el dinero y el móvil. Por si fuera poco, no encuentra el camino a la urbanización, se ha perdido. Comienza así el angustioso peregrinar de Julia y Félix buscándose mutuamente en un paisaje desconocido para ambos, que dejará al descubierto importantes secretos del corazón y les empujará a tomar decisiones extraordinarias para recuperar su amor. Eduardo Noriega se reserva el papel principal, contando como co-protagonista con Marta Etura. Además encontramos la presencia de secundarios destacados como Alfonso Bassave, Jack Taylor o Silvia Tortosa.

MINSCAPE

El cineasta Jamue Collet Serra ha conseguido asentarse en la industria de Hollywood como director de títulos comerciales como “La Huérfana” o “Sin Identidad” y ha aprovechado esta posición para impulsar el debut en el largometraje del cortometrajista Jorge Dorado con “Mindscape”. Aquí el protagonista es un detective con la habilidad de entrar en las memorias de las personas, al que se le encarga investigar el caso de una adolescente brillante y problemática para determinar si se trata de la víctima de un trauma o una sociópata. Rodada en inglés, la cinta ha contado con la presenciad de actores internacionales como Mark Strong, Brian Cox, Taissa Farmiga, quedando como representante latino el actor argentino Alberto Ammann en un papel secundario. La película ha entrado en la carrera hacia los Goya, obteniendo una candidatura a Mejor Dirección Novel para Jorge Dorado.

OLDBOY

En 2003 el cineasta coreano Park Chan-wook convertía su adaptación del manga creado por Garon Tsuchiya en el segundo episodio de su Trilogía de la Venganza. “Oldboy” se convirtió en una cinta de culto inmediato y aupó a su director como uno de los principales representantes del nuevo cine coreano que estaba pujando fuerte en el mercado internacional. Tras pasar por varias manos (inicialmente fue un proyecto impulsado por Will Smith con Steven Spielberg tras la cámara), ahora nos llega el remake americano de esta cinta, para la que se ha contado con el cineasta Spike Lee (cada vez más alejado de su discurso cinematográfico reivindicativo en favor de un cine de encargo y comercial). La cinta cuenta la historia de un ejecutivo de una agencia de publicidad al que secuestran y retienen durante 20 años en la más completa soledad sin que nunca sepa a qué se debe su reclusión. Cuando por fin le liberan inesperadamente, se lanza a una obsesiva búsqueda para descubrir quién ideó el extraño y retorcido castigo al que fue sometido. Pero no tarda en descubrir que sigue atrapado en una complicada y malévola conspiración. Durante su búsqueda, tiene una malograda relación con una joven trabajadora social y acaba conociendo a un hombre esquivo que dice tener la llave de su salvación. La cinta está protagonizada por Josh Brolin en el papel que inmortalizó Choi Min-sik, y cuenta también con la presencia de Elizabeth Olsen, Samuel L. Jackson y Sharlto Copley.

HERCULES

Después de que 2012 fuera el año de Blancanieves con hasta tres versiones cinematográficas del personaje, 2014 va a convertirse en el año de Hércules, con dos títulos acerca del héroe mitológico programados. El primero, “Hércules. El Oigen de la Leyenda” nos llega este fin de semana, con una estética dirigida al público juvenil, donde el principal gancho comercial es la presencia de Kellan Lutz (el Emmet Cullen de “La Saga Crepúsculo”). La cinta está dirigida por Renny Harlin, cineasta muy alejado de su época de gloria con “La Jungla 2” o “Máximo Riesgo”. Además, en el reparto encontramos a Gaia Weiss y al especialista en Artes Marciales Mixtas, Scott Adkins. En un intento desesperado por liberar a su pueblo de la opresión de su vengativo esposo, la reina Alcmena dirige sus súplicas hacia los dioses y fruto de sus plegarias nace Hércules, engendrado por Zeus, padre de los dioses y los hombres. Ajeno a su verdadera identidad, Hércules sufre el desprecio del rey Anfitrión, quien favorece siempre a su hijo legítimo Ificles. El joven Hércules se enamora de la bella Hebe, aunque su historia de amor queda truncada cuando Anfitrión, padre de Hércules, proclama que será Ificles quien contraerá matrimonio con la princesa. Hércules intenta huir con su amada, pero es capturado por la guardia del rey Anfitrión, quien le envía a la guerra. Tras burlar a la muerte, Hércules se embarca con el guerrero Sotiris en una misión para liberar al reino de la tiranía de Anfitrión, recuperar a su amada de las garras de su hermano y ocupar su lugar en el panteón de los héroes griegos.

NYMPHOMANIAC 2

Llega finalmente esta semana también la segunda entrega del díptico sobre el sexo de Lars von Trier, “Nymphomaniac, Parte 2”. Concebida como una única película, el extenso metraje de esta historia obligó al director a dividirla en dos partes para favorecer la distribución comercial, al mismo tiempo que se extrajeron algunos de los planos más explícitos. En esta segunda entrega, el personaje de Joe seguirá contando sus experiencias al viejo Seligman. Superadas la historia de su iniciación sexual y su obsesión por el personaje de Jerome. Ahora toca indagar en su madurez y en la profundización del personaje en vertientes sexuales cada vez más agresivas. Junto a Charlotte Gainsbourg y Stellan Skarsgard encontramos otros rostros conocidos como Jamie Bell, Connie Nielsen, Udo Kier o Willem Dafoe.


“41” / “AEROPLANOS”. ENTREVISTA A JOSÉ LUIS DE MADARIAGA

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José Luis de Madariaga

José Luis de Madariaga lleva un ritmo de trabajo infatigable. Sólo en los últimos meses ha participado en varios cortometrajes, ha rodado películas a nivel nacional e internacional, ha hecho teatro, ha cantado en la zarzuela, ha hecho publicidad y, además, ha sacado tiempo para dirigir un cortometraje. Precisamente, el pasado fin de semana en el teatro Círculo de la Amistad XII de Enero tuvo lugar la representación de la obra “Aeroplanos” del dramaturgo argentino Carlos Gorostiza, protagonizada por Madariaga junto al también actor Juancho Aguiar. El excelente texto original, adaptado para la ocasión al público local variando algunas referencias y localismos, dio pie a redescubrir sobre el escenario el espléndido talento de estos dos veteranos intérpretes, quienes al mismo tiempo consiguieron trasmitir con su trabajo esa complicidad e intimidad que comparten sus personajes en la historia. Con motivo de esta presentación hemos querido aprovechar para colgar esta entrevista que tuvimos ocasión de realizar recientemente a José Luis de Madariaga y donde además de darnos algunas claves de “Aeroplanos” y el porqué de esta representación, también nos habló largo y tendido de uno de sus últimos proyectos, en este caso no como actor, sino como director del cortometraje “41”.

Por nuestra parte queremos dar las gracias también al fotógrafo Jaime Chinarro (www.jaimechinarro.carbonmade.com) por permitirnos ilustrar este texto con las fotografías que realizó para el making of del cortometraje.

AEROPLANOS 2 

¿Cómo nace este interés por escenificar “Aeroplanos” de Carlos Gorostiza?

“Tres son las razones que me han impulsado a meterme en esta obra de teatro. Una que me gusta el teatro. La segunda es que hace mucho tiempo que nadie me llamaba para hacer teatro. Entonces he tenido que llamarme a mí mismo. Y la tercera es que me apetecía mucho hacer una función con Juancho Aguiar. Los dos hicimos un cortometraje dirigido por Carlos Dóniz, ambos como protagonistas únicos y que está ahora en proceso de postproducción, y hubo un feeling muy bueno entre los dos y me apetecía hacer algo más con él. Busqué una obra de dos personajes de nuestra edad (aunque son un poquito mayores, no mucho, pero hacemos de más viejos de lo que somos). Queríamos que nos lo dirigiera alguien y en quien pensamos primero fue en Juanjo Parrilla, con el que habíamos trabajado bastantes veces en el Círculo de la Amistad y nos gustaba su enfoque. Tuvimos la suerte de que nos dijo que sí. El objetivo es hacer funciones. Nada más. Pasarlo bien, hacer una cosa bonita, entrañable y donde el trabajo principal es interpretativo (son dos actores, dos actos, y estamos en el escenario la hora y media que dura la obra).”

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Ahora mismo tienes en postproducción “41”, un cortometraje donde cambias tu posición delante de la cámara por la de director. ¿Cuál es el origen de este proyecto?

“El guion lleva escrito cerca de 10 años, y estaba escrito para rodarlo en Madrid utilizando el Metro, como gran referente. Se detuvo por dos razones. La primera que mi hijo se fue a vivir a África, lleva allí ya nueve años, y yo me vine a vivir a Tenerife, por lo que eso del metro quedó aparcado. Hace más o menos seis o siete meses me dio por releerlo y me planteé hacerlo en Tenerife, utilizando el tranvía. Eso requería unas adaptaciones de guion, evidentemente, para acercarlo a las peculiaridades del tranvía y de su entorno, las estaciones son distintas, no hay pasillos. Es decir, hay una serie de cosas del metro que había que transformarlas al tranvía y su entorno. A mí me gustaba la idea del corto y me apetecía que se hiciera, no dirigirlo, en absoluto, pero a lo largo que llevo trabajando en cortos en Tenerife, he ido observando que los directores de cortometrajes muchos de los cuales, para mi gusto son muy buenos, en los que yo confiaría mucho y que me encanta cómo trabajan, pero todos tienen una características, que es que no les gusta dirigir algo que no es de ellos. Yo ya lo probé con otro cortometraje, también de mi hijo, corto que me parece incluso muy superior el guion a éste que acabo de hacer, y me encontré con que elegantemente o más directamente, no estaban por la labor de hacerlo. No porque no les gustara el guion, que les encantaba, sino porque no era de ellos. Me di cuenta de que aquí a los directores les gusta dirigir lo suyo. Entonces para no poner a ninguno en un compromiso y como lo quería hacer, busqué a un director que no iba a decir que no, que era yo.

No es mi vocación, dirigir, lo mío es actuar. A mí me gusta estar delante de la cámara y no detrás. Así que lo enfoco, simplemente, como un remedio a poder rodar este corto. Lo he hecho con la experiencia que me dan los 46 cortos que he rodado aquí, porque yo no me limito a hacer mi papel, sino que siempre me estoy fijando en el trabajo de los demás y de esa manera aprendes. Otra cosa es que lo que has aprendido seas capaz de traducirlo en cine, eso ya lo veremos, pero si es cierto que hay muchas cosas que he cogido de otros cortometrajistas y que han hecho que me atreviera. Ya te digo que ha sido simplemente una solución para poder hacer el corto.”

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¿Qué nos puedes comentar de la trayectoria como guionista de tu hijo, Rodrigo de Madariaga?

“Rodrigo tiene una profesión distinta a la de guionista. Es licenciado en ciencias del mar, trabaja como cooperante ya desde hace siete año en África, pero tiene una vocación tremenda por escribir guiones, cuentos, relatos. Ha escrito ahora un cuento bastante largo titulado “Un Día en el Metro” (tiene una obsesión con los metros, por lo visto, mi hijo), que está precioso, a mí me encanta. Yo se lo he ofrecido al Metro, para que lo pueda ofrecer por capítulos entre sus usuarios. Estuvo una época en Argentina y allí hizo un curso de guiones con guionistas argentinos para ver sobre todo los elementos técnicos. También hizo un curso sobre realización cinematográfica. Le gusta mucho el cine y sobre todo los guiones. No se atreve a dirigir, sino que lo que a él le gusta es escribir. Escribe con mucha imaginación, historias muy bonitas, muy sentidas. Yo ya hice dos cortometrajes con guiones escritos por él hace algunos años. Eran sus primeras cosas y yo quise rodarlas y los hice aquí. Uno se llamaba “El Precio de la Devoción” y el otro “Palos de Ciego”. Luego ha hecho cosas más bonitas. Tiene uno llamado “La Muchacha en la Ventana”, pendiente de realizar, que me encanta y a la gente a la que se lo he enseñado (directores, realizadores de aquí) le ha gustado muchísimo. Luego alguien me ha confesado “No es mi estilo, porque es un estilo muy romántico” y no de tiros, ni cuchilladas. Y me parece bien, yo eso lo entiendo perfectamente. Con lo cual me temo que acabaré dirigiéndolo yo, aunque estoy intentado evitarlo. Todo lo que ha escrito lo tengo yo. No está en ningún otro lado. No es que él se haya puesto a escribir para mandarlo, para hacer algo, no. Todo me lo pasa a mí para ver si yo puedo hacer algo con eso. Está escribiendo una obra de teatro para mí también.”

¿Qué nos puedes adelantar del argumento del cortometraje?

“El argumento es el encuentro casual entre una mujer y un hombre, que están interpretados por Elena Feria y Javier Martos. Esa relación, como es un corto, evoluciona muy rápidamente y tiene un final que pretendemos que sea inesperado. Otra cosa es que lo sea. Yo no sé si he sabido esconder el final o no, porque muchas veces decimos que tiene un final inesperado y, cuando vemos el corto, en la primera escena ya sabemos el final. Tiene un aspecto muy singular en el enfoque y creo que hemos conseguido algo diferente.”

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¿Cómo fue reunir al equipo para hacer el cortometraje? Imagino que con tu trayectoria, siempre colaborando con los demás, nadie diría que no a trabajar en un corto tuyo.

“Bueno, eso tampoco es así. La gente analiza también el guion, lo que tiene que hacer, sus personajes. Aquí por ejemplo, el personaje femenino tenía un problema. Digamos que yo soy más del estilo de cine francés que del estilo del cine americano, es decir, no me gusta tapar lo que no se debe tapar y no me gusta exhibir lo que no se debe exhibir. Ese personaje femenino tenía una escena más subida de tono y aquí las actrices para eso son menos proclives. Me encontré con la sorpresa de que tres de las actrices en las que yo confiaba mucho, las tres me dijeron que sí, así que tuve que seleccionar entre las tres. Respecto al equipo, es muy pequeño, formado por gente como Kiko Castro en fotografía, mi mujer, Maita Taboada, como ayudante de producción y dirección, Marcos Toledo en sonido, un chico muy valioso, un gran profesional y una persona maravillosa. Necesitábamos unos 30 figurantes, lo publiqué en Facebook, y me contestaron 200. Lo tuve que limitar a los 30 que necesitábamos pero participaron todos de una forma maravillosa, con un entusiasmo, con unas ganas de colaborar fantásticas, a pesar de los pesares (en cosas que no te voy a revelar, porque revelaría cosas del corto antes de tiempo) pero podrás ver cómo la gente estuvo entusiasmada a pesar de ello. Tuvimos por lo tanto, un equipo técnico muy pequeño, muy familiar, y eso sí, voy a tener la suerte también de que la música me la va a hacer un músico estupendo (a mi modo de ver) y una gran persona, Raúl Capote. No me ha dicho que no a nada nadie. Desde el Tranvía, que nos cedió un tranvía, vacío, y que estuvo circulando por la línea 2 para que pudiéramos hacerlo todo, con paradas de nueve minutos en la estación para que también pudiéramos rodar allí; Titsa que nos dejó grabar en el intercambiador; la discoteca ébano que está al lado del Auditorio, también nos dejó grabar allí; y la colaboración de gente que me prestaron elementos como la grúa, todos desinteresadamente. Afortunadamente todavía hay gente que te ayuda mucho, pero todo ha sido así, cosas de amigos, todo muy pequeño, no hubo un despliegue de gente. Ahora vamos a ver qué tal.”

¿Cómo te has visto tras la cámara?

“Me he visto bien por dos razones. Primero porque he trabajado con la libertad de que no estoy buscando hacer el corto de mi vida, conseguir un Goya, no. Me he propuesto hacer un guion que me gustaba. Eso te hace trabajar con la tranquilidad de que voy a hacerlo lo mejor posible, pero asumiendo que mi “lo mejor posible” nunca es lo mejor. He querido cuidar cada cosita mucho, pero con el objetivo de que saliera bonito y que pudiera gustar. Eso te hace trabajar más a gusto. Además he tenido la suerte de que justamente coincidió que durante el rodaje mi hijo tuvo que venir a España y entonces lo he tenido conmigo durante el rodaje aquí en Tenerife. Me ha servido mucho el aporte suyo como guionista y hemos trabajado muy al alimón los dos. Yo tengo que decir que aunque aparezca yo como director sería más justo decir co-dirigido por los dos Madariagas, porque me ayudó muchísimo, me vino muy bien su presencia aquí.”

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Has contado con la colaboración de Kiko Castro, cineasta con el que has mantenido una larga relación profesional. ¿Cómo fue el cambio de roles en este proyecto?

“Con Kiko Castro tengo bastante buen feeling, nos entendemos bien. Kiko es una persona que no tiene envidias, no tiene celos a que se le diga “no, así no, lo quiero así”. El hace una cosa y me dice “mira, mira, esto así” y yo le digo “no, yo lo quiero más lento”. Si lo quieres más lento o más rápido, te lo hace contento y feliz. No es de esos directores de fotografía que se enfadan cuando no coincides con su forma de ver las cosas. De eso hay muchos, lo he visto. Él te dice “ah, bueno, pues me gusta así más lento como has dicho tú”. Trabajas muy bien con esa actitud. Yo por lo menos. Para mí era muy importante, porque es una tranquilidad que exista ese buen feeling entre los dos. Conmigo lo mismo. Yo aceptaba las ideas de Kiko cuando me parecían buenas, evidentemente, pero me parecía importante que existiera esa comunicación entre los dos siempre mirando lo que fuera mejor para la película y no para nuestro ego. Si veíamos que quedaba mejor no me importaba si la idea era de Kiko o del portero. Todos hemos actuado de esa forma y creo que eso ha sido muy bueno para el resultado final.”

En lo referente a la dirección de actores, ¿cómo te has visto al estar al otro lado de la barrera?

“Bueno, a mí la dirección de actores me gusta, sin embargo, por las características de esta película mi actitud hacia los actores ha sido muy diferente a la que he tenido siempre. Aquí lo principal era la interpretación vocal, es lo que me interesaba. Ellos han respondido muy bien a todo. Se han entregado, han hecho lo que hiciera falta para que las escenas salieran bien. Las escenas más comprometidas las han hecho con entusiasmo y con unas ganas y una libertad total. Entre los dos, Elena y Javier, ha habido muy buen feeling, algo muy importante. Para mí ha sido muy fácil trabajar con ellos. Yo tengo una aparición, que no es una interpretación, en el corto. Es el único personaje que aparece aparte de ellos dos. No me lo puse yo. Estaba en el guion, lo que pasa es que yo me obligué a hacerlo yo. Me refiero, aunque creo que mi hijo lo escribió pensando en mí, no es algo que incorporara yo como director.”

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¿Cómo va la postproducción de la película?

“El montaje lo estamos haciendo juntos Kiko y yo. Mi hijo llorando en Mozambique porque le gustaría estar y no puede. Para el montaje hay que buscar a alguien que tenga tiempo para meterle y además comprometerle, y sin poder pagar, a mí me cuesta mucho. Son trabajos muy duros, muy arduos, pero luego no se reconoce. Yo trabajo muchas veces gratis, pero luego tengo el reconocimiento de todo el que me ve, me sirve de currículum, me sirve de mucho. Me muestro mucho. Un montador es una figura muy oscura a pesar de la grandísima importancia que tiene en la película. Entonces, si no le puedes ofrecer fama, no le puedes ofrecer dinero, pues a mí me cuesta mucho comprometer así a la gente, qué quieres que te diga. No sabes la vergüenza que pasé a atreverme a llamar a Raúl para que me hiciera la música. Me atreví al final porque me apetecía mucho tener la música de él. De la misma manera que hay otros músicos también que me encantan, y que no me atrevo a pedírselo, porque me da vergüenza.

Mi objetivo con el montaje es mantener esos particularismos que hemos comentado en cuanto a interpretación y puesta en escena. Se trata de un corto más de rodaje que de montaje. Aunque nunca hay que dejar de reconocer la importancia del montaje para que respete eso. Por ejemplo, prácticamente no hay efectos especiales. Los únicos que hay son para mejorar algo. Si hay un sonido del tranvía lo metemos en postproducción, no en sonido directo, pero no se trata de un efecto especial. Es simplemente una mejora aparte para que suene mejor. Pero en el montaje no hay nada que tengamos que crear, simplemente dar ritmo a la película, darle una continuidad, pero no hay incorporación de efectos o de cosas que le den una relevancia especial.”

“41” tiene previsto su estreno para el próximo mes de abril o mayo.

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ESTRENOS DEL 31 DE ENERO

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Después del impasse de la semana pasada, las carteleras de los cines vuelven a convocar títulos en la carrera hacia los Oscars. La principal candidata a estos premios se las tendrá que ver con el reboot cinematográfico del héroe literario creado por Tom Clancy, mientras que el efecto nostalgia del cómo se fraguó “Mary Poppins” añade también algo de caché académico a los estrenos. Todo esto mientras la nueva película de un mito como Roman Polanski se estrena prácticamente de tapadillo, con tan sólo 32 copias en distribución.

La Venus de las pieles

El cine de Roman Polanski siempre se ha caracterizado por un gusto por los ambientes enrarecidos, el sexo malsano, el humor absurdo y la crítica social más devastadora. Para su último trabajo, el cineasta polaco se basa en el texto de David Ives que a su vez tomaba como punto de referencia la novela “La Venus de las Pieles”, obra de corte erótico escrita en 1870 por Leopold von Sacher-Masoch, y que sirvió de detonante para que a partir del nombre de este escritor austriaco se formara la palabra “sadomasoquismo”.

La acción tiene lugar en un teatro parisino un director teatral pretende escenificar la obra de Masoch. Después de un duro día de audiciones para el papel del nuevo proyecto, Thomas se lamenta al teléfono por el poco empeño e interés que han mostrado los candidatos que se han presentado. Nadie tiene el nivel necesario para asumir el liderazgo del reparto y Thomas se está preparando para salir cuando aparece Vanda, un torbellino de energía desenfrenada y descarada. Vanda tiene todo lo que odia Thomas. Es vulgar, sin cerebro y no se detendrá ante nada hasta conseguir el papel. Thomas le da una oportunidad para mostrar su talento y Vanda le sorprende con una increíble metamorfosis. Provista de accesorios y disfraces, entiende a la perfección el personaje y ha memorizado cada línea del guion. Mientras la prueba se alarga, la intensidad entre ellos se incrementa y la atracción se convierte en una obsesión para el joven.

Fiel a sus orígenes teatrales, la película cuenta con dos únicos personajes, interpretados para la ocasión por Emmanuelle Seigner (esposa en la vida real del director y vista en películas suyas como “Frenético”, “Lunas de Hiel” o “La Novena Puerta”) y Mathieu Amalric (actor de gran calado en el cine francés, recordado por papeles en títulos como "La Escafandra y la Mariposa", "007 Quantum of Solace" o "Munich").

20 Años no importan

Resulta curioso el giro que ha dado la carrera del director David Moreau, quien tras debutar en 2003 con la comedia “Back to Saint-Tropez”, consiguió cierta relevancia gracias a su cinta de terror “Ellos” de 2006. Ésta le posibilitó dar el salto a Estados Unidos, donde se responsabilizó del remake de “The Eye”, contando con Jessica Alba de protagonista. El fracaso de esta nueva versión dejó en stand-by lo que parecía una carrera prometedora. Ahora el cineasta regresa al terreno del humor con su nuevo trabajo, “20 Años no Importan”, comedia romántica protagonizada por Virginie Efira y Pierre Niney.

Alice Lantins tiene 38 años. Es guapa, ambiciosa y da muestras de una profesionalidad impecable, hasta el punto de olvidar su vida privada. En definitiva, lo tiene todo para convertirse en la nueva redactora jefe de la revista Rebelle, todo excepto su imagen de mujer cohibida. Pero cuando el joven y encantador Balthazar, de apenas 20 años, se cruce en el camino de Alice, la imagen que sus compañeros tienen de ella va a cambiar de forma inexplicable. Al darse cuenta de que posee la clave de su ascenso, Alice fingirá un romance improbable.

 

Jack Ryan Operación Sombra

Tom Clancy creó el personaje de Jack Ryan allá por 1984 con la novela “La Caza del Octubre Rojo” y protagonizando un total de 15 novelas, la última de ellas, “Threat Vector”, publicada en 2012. En cines, el personaje ha sido interpretado por Alec Baldwin (“La Caza del Octubre Rojo”), Harrison Ford (“Juego de Patriotas”, “Peligro Inminente”) y Ben Affleck (“Pánico Nuclear”), siendo ya ésta última un intento por rejuvenecer al personajes a partir de la novela original “La Suma de Todos los Miedos”. Tras el fracaso comercial de esta última, Paramount decidió que había que ir un paso más allá y prescindir de los textos de Clancy, los cuales el estudio veía como deudores de la época de la Guerra Fría, e intentar remodelar al personaje de acuerdo a los patrones del cine moderno (con Jason Bourne como punta de lanza). El resultado de esta operación es “Jack Ryan. Operación Sombra”, de cuyo éxito depende toda una nueva franquicia de aventuras originales, desprendidas ya de la sombra de su creador, fallecido el pasado mes de octubre a la edad de 66 años.

Chris Pine (el nuevo Capitán Kirk de “Star Trek”) es el encargado de interpretar al renacido Jack Ryan, veterano de guerra que lleva una doble vida como ejecutivo de Wall Street y agente analista de la CIA. Reclutado por su habilidad para interpretar datos globales, en esta primera entrega nuestro héroe debe desenmascarar un complot meticulosamente planeado para hundir la economía norteamericana y sembrar el caos en todo el mundo. Atrapado entre el negociador oficial Harper, su novia en la sombra Cathy y un inquietante oligarca ruso, Jack tiene que enfrentarse a una nueva realidad en la que no puede fiarse de nadie, y en la que el destino de millones de personas depende de que descubra la verdad.

Al igual que en las anteriores versiones del personaje, Paramount ha contado con un importante conjunto de actores para acompañar a su estrella protagonista, destacando la presencia de Kevin Costner, Keira Knightley y Kenneth Branagh, encargándose además este último de dirigir la película.

Al encuentro de Mr. Banks

Cuando las hijas de Walt Disney le pidieron que hiciera una película de su libro favorito, "Mary Poppins" de P.L. Travers, Walt les hizo una promesa. No sabía entonces que iba a tardar nada menos que 20 años en cumplirla. En su empeño por obtener los derechos, Walt Disney se enfrentó a una escritora cascarrabias e inflexible que no tenía la más mínima intención de que la maquinaria de Hollywood estropeara a su adorada niñera mágica. Pero los libros dejaron de venderse y el dinero empezó a escasear. Así que Travers tuvo que aceptar de mala gana viajar a Los Ángeles y escuchar los planes de Disney para adaptar su obra.

“Al Encuentro de Mr. Banks” se encarga concretamente de narrarnos esas dos semanas de 1961, donde Walt Disney tuvo que utilizar todos los recursos a su alcance para convencer a Travers. Pertrechado con los guiones gráficos más imaginativos y las alegres canciones de los hermanos Sherman, Walt lanza un ataque total contra P.L. Travers, pero la obstinada escritora no cede ni un ápice. Walt empieza a perder la esperanza, ya que Travers se muestra cada vez más inflexible. Y los planes de adquirir los derechos empiezan a desvanecerse. Pero Walt comprende que debe indagar en su propia infancia para descubrir la verdad sobre los fantasmas que obsesionan a la escritora. Juntos consiguen liberar a Mary Poppins de sus ataduras para hacer una de las películas más entrañables de la historia del cine.

Nominada a los Globos de Oro en el apartado de Mejor Actriz principal y a los Oscars en el de Mejor Partitura Original para Thomas Newman, “Al Encuentro de Mr. Banks” se apoya sobre todo en el carisma de sus dos actores protagonistas, Emma Thompson y Tom Hanks, que deben abordar el reto de encarnar a sus no menos míticos personajes. Les acompañan, entre otros, Colin Farrell, Paul Giamatti y Jason Schwartzman. La dirección corre a cargo de John Lee Hancock, guionista que alcanzó importancia por sus trabajos para Clint Eastwood (“Un Mundo Perfecto”, “Medianoche en el Jardín del Bien y del Mal”) y que como director ha sido responsable de “El Álamo” o “The Blind Side. Un Sueño Imposible”.

La gran estafa americana

Acompañado siempre por la polémica y su carácter combativo, David o. Russell ha sabido también postularse como un nombre destacado dentro del panorama hollywoodiense. Títulos como “Flirteando con el Desastre”, “Tres Reyes”, “Extrañas Coincidencias” o, más recientemente, “The Fighter” y “El Lado Bueno de las Cosas” le ha otorgado un puesto de honor en la industria, por regla general avalado por la Academia de Hollywood. Este año, su nuevo trabajo, “La Gran Estafa Americana”, parte como la principal candidata a los Oscars con 10 candidaturas. Un agasajo que llega después de ganar tres (mejor película de comedia o musical, mejor actriz de comedia y mejor actriz de reparto) de las siete nominaciones que tenía a los Globos de Oro. Además el cineasta se reúne con los protagonistas de sus dos trabajos anteriores (Christian Bale, Jennifer Lawrence, Amy Adams, Bradley Cooper, incluso un no acreditado Robert De Niro en un pequeño papel), a los que se suman nuevos rostros como Jeremy Renner, Jack Huston, Michael Peña o Louis C.K..

La cinta cuenta la historia de un estafador brillante, Irving Rosenfeld, que junto a su astuta y seductora compañera, Sydney Prosser, se ve obligado a trabajar para un tempestuoso agente del FBI, Richie DiMaso. DiMaso les arrastra al mundo de la política y la mafia de Nueva Jersey, que es tan peligroso como atractivo, para tender una trampa a Carmine Polito, un apasionado y volátil político de Nueva Jersey. La impredecible mujer de Irving, Rosalyn, podría ser la que tire de la manta, haciendo que todo se desmorone.

IN MEMORIAM. MAXIMILIAN SCHELL / PHILIP SEYMOUR HOFFMAN

X PREMIOS DE LA CRÍTICA MUSICAL CINEMATOGRÁFICA (PREMIOS SCOREMAGACINE)

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Un año más, la flor y nata de la crítica y el mundo académico español elige los ganadores de los Premios de la Crítica (premios scoremagacine) en busca de la excelencia en la producción musical cinematográfica y televisiva del año 2013. Como cada año, un recorrido por los votos individualizados de cada miembro del jurado será ofrecido una vez se conozcan los ganadores. Los resultados serán hecho oficiales por esta web el próximo 17 de febrero y los premios nacionales serán entregados durante la edición de FIMUCITÉ 8, entre los días 4 y 12 de julio, siempre que la agenda del compositor/es ganador/es lo permita.

El jurado de esta X edición, compuesto por 32 miembros, lo integran por orden alfabético: Juan Francisco Álvarez (Encadenados.org), Ricardo Borrero (Cine y Bso), Eduardo Casanova (Cope), Xavier Cazeneuve (El Violí Vermell-Catalunya Música), Demetris Christodoulides (IFMCA), Gorka Cornejo (Scoremagacine), Manuel E. Díaz Noda (adivinaquienvienealcine.com, FIMUCITÉ), Ramón Esteban (Radio Marca: "La Claqueta"), Josep Lluís Falcó (Historiador, Revista Musical Catalana, Universitat de Barcelona), Teresa Fraile (Doctora por Universidad Extremadura de Didáctica de la Expresión Musical; autora libro "Música de cine en España: Señas de Identidad"), Ignacio Garrido (Scoremagacine), Nacho Gonzalo (LoQueYoTeDiga.net), Sergio Hardasmal (Revista Acción Cine Video), David Huélamo (nochedecine.com), Joaquín López González (Doctor en Historia y Ciencias de la música por Universidad de Granada y autor de artículos sobre música de cine), Martín Llade (Radio Clásica: "Todas las mañanas del mundo"; La 2), Rut Martínez (Periodista y productora musical), David Miner (COPE), Pablo Nieto (Scoremagacine), Matilde Olarte (Doctora en etnomusicología española por Universidad de Salamanca, autora libros de Música y Cine), Miguel Ángel Ordóñez (Scoremagacine, Revista Academia), Joan Padrol (Dirigido Por), Antonio Pardo Larrosa (Revista Melómano), David Rodríguez Cerdán (Scherzo, Revista Academia), José Vidal Rodríguez de Liébana (Scoremagacine), Joaquín Rodríguez Fernández (labutaca.net), Juan Manuel Ruiz (Caimán: Cuadernos de Cine), Miguel Fernando Ruiz de Villalobos (Imágenes de Actualidad), Juan Ángel Saiz (Rosebud, Scoremúsica), David Serna (Scoremagacine), Javier Suárez-Pajares (Doctor en Musicología por Universidad Complutense de Madrid, Diverdi) y Frederic Torres (Scoremagacine).

La lista de NOMINADOS correspondientes a trabajos en el campo audiovisual realizados durante el 2013 tras la votación de nuestros críticos, en sus respectivos apartados y siguiendo criterios alfabéticos, son:

MEJOR BANDA SONORA NACIONAL

- El Tiempo Entre Costuras (César Benito)

- Grand Piano (Víctor Reyes)

- Isabel (segunda temporada) (Federico Jusid)

- La Hermandad (Arnau Bataller)

- La Mula (Óscar Navarro)

- Zipi y Zape Y El Club De La Canica (Fernando Velázquez)

MEJOR BANDA SONORA EXTRANJERA

- Gravity (Steven Price)

- La Migliore Offerta (Ennio Morricone)

- Romeo And Juliet (Abel Korzeniowski)

- Saving Mr. Banks (Thomas Newman)

- The Book Thief (John Williams)

- The Hobbit: The Desolation Of Smaug (Howard Shore)

MEJOR COMPOSITOR NACIONAL

- Roque Baños (Evil Dead, Oldboy, Tres60, Séptimo)

- César Benito (El Tiempo Entre Costuras, Vive Cantando)

- Pascal Gaigne (The Last Life Of Lucifer, Las Manos De Mi Madre, Izenik Gabe-Zumeta, Una Esvástica Sobre El Bidasoa)

- Federico Jusid (Isabel, Gran Reserva, La Vida Inesperada)

- Víctor Reyes (Grand Piano, Niños Robados)

- Fernando Velázquez (Zipi Y Zape, Los Últimos Días, Mamá)

MEJOR COMPOSITOR EXTRANJERO

- Alexandre Desplat (Philomena, Venus In Fur, Renoir)

- Joe Hisaishi (The Wind Rises, Tokyo Family, Deep Project, Onna Nobunaga)

- Ennio Morricone (La Migliore Offerta, Ultimo 4)

- Thomas Newman (Saving Mr. Banks, Side Effects)

- John Williams (The Book Thief)

- Hans Zimmer (12 Years A Slave, Rush, Man Of Steel, The Bible)

ESTRENOS DEL 7 DE FEBRERO

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Este fin de semana la oferta cinematográfica es más reducida, pero en absoluto carente de interés. Dos son los títulos que llegan a nuestras carteleras, pero se trata de dos películas largamente esperadas y que cubren espectros de espectadores diferentes. Englobada dentro de la carrera a los Oscars, la cuota de cine minoritario e independiente la cubre la nueva película del cineasta Alexander Payne, mientras que el apartado más puramente comercial y dirigido en este caso al público familiar está representado por el salto de la compañía LEGO a la pantalla grande.

Nebraska

Con cinco candidaturas a los Oscars y con la presencia de un Bruce Dern protagonista que no es el favorito pero que perfectamente podría dar la campanada y alzarse con la estatuilla a Mejor Actor Principal (ganó el premio al Mejor Actor en el pasado Festival de Cannes), “Nebraska” responde a los patrones habituales del cine de su director, Alexander Payne (“Entre Copas”, “Los Descendientes”), es decir, un tono agridulce que sabe combinar la comedia irónica con el drama descarnado. Amante de un tipo de cine naturalista, donde incluso no tiene prejuicios a la hora de emplear actores no profesionales, Payne apuesta aquí por una road movie crepuscular, con componente de relación paterno filial a partir del libreto escrito por Bob Nelson.

Después de recibir un “premio” por correo, Woody Grant, un anciano padre con síntomas de demencia, cree que se ha vuelto rico, obligando a su receloso hijo David a emprender un viaje para ir a cobrarlo. Poco a poco, la relación entre ambos –rota durante varios años por los continuos desvaríos etílicos de Woody- tomará un cariz distinto ante la sorpresa de la socarrona madre de David y su triunfador hermano Ross. Pero ¿qué ocurrirá cuando Woody regrese al pueblo, donde le ha prometido a todos que se ha convertido en millonario?

Junto a Bruce Dern, encontramos dándole la réplica a Will Forte (humorista sacado de la cantera del “Saturday Night Live”), así como a June Squibb (nominada también al Oscar como Mejor Actriz Secundaria), Bob Odenkirk, Stacy Keach o Mary Louise Wilson.

la lego película

Este año 2014 se cumple el octogésimo aniversario de la compañía de juguetes LEGO. Con un producto estrella básico, un juego de construcciones por bloques, esta empresa ha sabido mantenerse entre las principales firmas jugueteras del mundo y, especialmente, en los últimos años ha gozado de un auge de popularidad gracias a sus licencias de personajes y franquicias populares a través del cine, el cómic o los videojuegos. LEGO ha sabido adentrarse en otros territorios como las consolas o la producción de películas en formato doméstico, adaptando iconos de la cultura moderna a la estética de su juego de construcción, siempre apoyándose en el humor y la parodia como principal herramienta para atraer a públicos de todas las edades. El éxito de estos productos ha animado a la compañía a celebrar su aniversario con una cinta para la pantalla grande, optando para ello por un equipo ganador, los directores Phil Lord y Chris Miller, responsables de la primera entrega de “Lluvia de Albóndigas”, y los guionistas Dan y Kevin Hageman, autores del libreto de “Hotel Transylvania”.

Esta original historia animada por ordenador en 3D cuenta la historia de Emmet, una figurita Lego absolutamente normal y fiel a las normas que es identificada por error como la persona más extraordinaria y la clave para salvar al mundo. Se ve entonces inmerso en una búsqueda épica para detener a un malvado tirano junto a un grupo de desconocidos, una aventura para la que Emmet no está preparado en absoluto.

La voz del protagonista en versión original la pone el actor Chris Pratt, al que acompañan (aunque sea en pequeños cameos) otras estrellas como Will Ferrell, Liam Neeson, Alison Brie, Morgan Freeman, Elizabeth Banks, Will Arnett, Anthony Daniels, Jonah Hill, Cobie Smulders, Shaquille O'Neal, Channing Tatum o Billy Dee Williams.

PREMIOS GOYA 2014

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Es inevitable. La Ceremonia de los Goya trae consigue siempre la polémica. En esta ocasión desde diferentes puntos. No sólo hubo disputa política, tampoco la gala y la realización de la misma se han librado de furibundas críticas. A priori, entre la selección realizada por la Academia de las Artes y las Ciencias cinematográficas de España, destacaba el apoyo al género de la comedia por parte de la institución, que quiso con las nominaciones reconocer entre los más destacados los trabajos de Daniel Sánchez Arévalo con “La Gran Familia Española” (11 candidaturas), Alex de la Iglesia con “Las Brujas de Zugarramurdi” (10 menciones), “3 Bodas de Más” (7) o “Zipi y Zape y el Club de la Canica” (4). No es casual que estos títulos hayan sido además de los más taquilleros del cine español durante el año 2013. Como contraste, también entre las más aplaudidas podíamos encontrar dramas de corte más intimista y minoritario, donde destacaban como favoritas “Caníbal” (8 candidaturas), “15 Años y Un Día” (7), “Vivir Es Fácil con los Ojos Cerrados” (7) o “La Herida” (6). Esto hacía presagiar un enfrentamiento entre el apartado más industrial de nuestro cine frente al más artístico, quedando en el aire qué bando iba a potenciar la Academia.

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Vistos los resultados podemos decir que la institución ha preferido buscar el equilibrio y optar por acercar posturas. En cuestión de estatuillas la gran ganadora fue “La Brujas de Zugarramurdi” que se alzó con 8 de sus 10 candidaturas, aunque la gran mayoría de ellas dirigidas a los apartados técnicos, delegados por lo habitual como premios de menor peso. Los premios importantes de la noche recayeron en la cinta de David Trueba “Vivir Es Fácil con los Ojos Cerrados”, que también logró hacerse con 5 de las 7 posibilidades con las que contaba, destacando los apartados de guion original, actor protagonista, director y película. Esta película suponía también una opción menos radical que la que finalmente se convirtió en la gran perdedora de la noche, “Caníbal”. La cinta de Manuel Martín Cuenca contaba con méritos para haber sido la gran triunfadora, pero también era la más árida de cara al público general; mientras que la película de Trueba supo recurrir a componentes dramáticos y nostálgicos que favorecían su acogida popular. En general, podemos decir que, si bien nuestras preferencias iban más hacia “Caníbal”, el resultado tampoco nos disgusta. “Vivir Es Fácil con los Ojos Cerrados” es una espléndida película sustentada sobre un sólido guion y un cuidado reparto de actores. A esto hay que sumar el peso de las familias del cine, donde apellidos como Trueba (aunque el protagonista de la noche era David, el clan llegó capitaneado por su hermano Fernando), Cerezo (a falta de Alex de la Iglesia que estaba rodando en Argentina, el veterano productor se erigió como buque insignia de “Las Brujas de Zugarramurdi”) o Bardem (Pilar y Javier acapararon toda la atención, pese a que allí el candidato era Carlos) se reparten un amplio porcentaje del poder de la Academia, frente a figuras como Manuel Martín Cuenca que carece de la capacidad de influencia de los anteriores. Como compensación ante el descalabro de “Caníbal”, el cine más arriesgado y experimental se vio representado por las dos estatuillas de “La Herida” en los apartados de dirección novel y actriz principal. Por su parte, la aparentemente favorita debido a su número de candidaturas se fue a casa con premios de consolación a actor de reparto y canción.

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Con respecto a la gala en sí hay que decir que, como era de esperar, la tensa relación de la industria con el gobierno, los efectos negativos producidos por los recortes, el machetazo que ha supuesto el aumento del IVA, la falta de acción contra la piratería y la ausencia del Ministro de Cultura se convirtieron en los leit motives recurrentes de la noche. La Gala de los Goya no es únicamente un evento para que la industria celebre sus éxitos, sino también un espacio de reflexión sobre la situación del cine nacional. En este sentido el discurso del presidente de la Academia resultó modélico, como corresponde a quien es un empresario veterano del sector, no escondiendo el malestar de la Academia ante la desidia del Gobierno, pero sin caer en el insulto o el desprecio. En nuestra opinión a ese discurso le sigue faltando autocrítica, ya que si bien los factores antes mencionados, sin duda, marcaron la evolución a la baja del cine español el pasado año, siguen existiendo muchas fallas dentro de la propia industria aún por depurar. Lo que sí nos parece lógico es el enfado ante el desplante del Ministro de Cultura, quien argumentó problemas de agenda. La Gala de los Goya es uno de los actos anuales principales del mundo de la cultura en nuestro país y su fecha de celebración llevaba anunciada con suficientemente tiempo de antelación como para que el Ministro pudiera liberar su agenda para ese día. Posteriormente, se ha revelado que el compromiso no era tal y que todo parece obedecer a un subterfugio para que José Ignacio Wert pudiera eludir su responsabilidad, pero eso a estas alturas ya es indiferente. Lo importante es la imagen que ha dado el Ministerio y su desinterés por una de sus principales actividades. Aquí nos gustaría quedarnos con el comentario de Mariano Barroso al recoger el Goya a Mejor Guion Adaptado: Resultaría inverosímil que el Ministro de Defensa no acudiera al desfile del Día de las Fuerzas Armadas, y de ser así, su jefe estaría pidiendo su dimisión al día siguiente. Curiosamente, pese a todo, (y aunque hay opiniones que expresan lo contrario), a nuestro modo de ver, la gala fue bastante comedida en cuanto a críticas. Algún chiste más o menos mordaz, un par de alusiones, algún comentario por parte de alguno de premiados o los encargados de entregar las estatuillas, pero algo nimio frente a otros episodios más belicosos vividos en ediciones anteriores.

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Quizás esto se deba en gran parte también a la falta de frescura, originalidad y sorpresa de una ceremonia soporífera y carente de dinamismo. El debut de Manel Fuentes como maestro de ceremonias se ha saldado con un sonoro fracaso. Chistes carentes de lumbre, lecturas de premios monótonas y sin contenido, torpeza en la puesta en escena y el intento de replicar ideas de ediciones anteriores sin gracia alguna, como el vergonzoso número musical. Esta gala 2014 sólo nos ha dejado un sketch para recordar y es esa aparición de Joaquín Reyes “a los Femen”, pidiendo la subida del IVA. Desgraciadamente, este momento brillante no compensa otros más bochornosos e incluso insultantes como la actuación de Alex O'Dogherty a costa de las categorías de cortometrajes. Estaba la consigna de aligerar la gala para que, de cara a su emisión televisiva, no resultara demasiado larga, pero el resultado fue una ceremonia desnaturalizada, donde los rostros de apatía de la platea equivalían a los del otro lado del televisor (con los peores índices de audiencia de los últimos cinco años, perdiendo el liderazgo frente a la emisión de la película “Red”). A esto hay que sumar además, una cochambrosa realización por parte de Televisión Española, donde cámaras, micrófonos, grúas o hasta el telepromter se les colaba en la imagen. Hubo un descontrol total a la hora de enfocar al público, generalmente pillando a muchos de ellos en posturas o situaciones poco agraciadas, a la faltaba más agilidad a la hora de localizar a determinados invitados cuando se les hacía alusión desde el escenario y entraba en juego alguna película en la que hubiesen participado. Tampoco el sonido fue de celebrar. Presentaciones y discursos que apenas se oían, saturación del sonido ambiente, los espectadores desde casa tuvimos que es forzar el oído en ocasiones para comprender lo que decían los invitados.

En definitiva, una gala para olvidar y que nos retrotrae a las peores épocas de esta ceremonia con una falta de ese sentido del espectáculo del que había disfrutado en los últimos años. A no ser que la intención fuera reflejar el estado de desánimo y desesperanza que sufre el país, en ese caso, felicidades, el éxito ha sido rotundo.

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GANADORES

MEJOR PELÍCULA

Ganador: Vivir es fácil con los ojos cerrados

15 años y un día

Caníbal

La herida

La gran familia española

MEJOR DIRECTOR

Ganador: David Trueba (Vivir es fácil con los ojos cerrados)

Gracia Querejeta (15 años y un día)

Manuel Martín Cuenca (Caníbal)

Daniel Sánchez Arévalo (La gran familia española)

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL

Ganadora: Marián Álvarez (La herida)

Inma Cuesta (tres bodas de más)

Aura Garrido (Stockholm)

Nora Navas (Todos queremos lo mejor para ella)

MEJOR ACTOR PRINCIPAL

Ganador: Javier Cámara (Vivir es fácil con los ojos cerrados)

Tito Valverde (15 años y un día)

Antonio de la Torre (Caníbal)

Eduard Fernández (Todas las mujeres)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Ganadora: Terele Pávez (Las brujas de Zugarramurdi)

Susi Sánchez (10.000 noches en ninguna parte)

Maribel Verdú (15 años y un día)

Nathalie Poza (Todas las mujeres)

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Ganador: Roberto Álamo (La gran familia española)

Carlos Bardem (Alacrán enamorado)

Juan Diego Botto (Ismael)

Antonio de la Torre (La gran familia española)

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Ganador: Javier Pereira (Stockholm)

Berto Romero (Tres bodas de más)

Hovik Keuchkerian (Alacrán enamorado)

Patrick Criado (La gran familia española)

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Ganadora: Natalia de Molina (Vivir es fácil con los ojos cerrados)

Belén López (15 años y un día)

Olimpia Melinte (Caníbal)

María Morales (Todas las mujeres)

MEJOR DIRECTOR NOVEL

Ganador: Fernando Franco (La herida)

Neus Ballús (La plaga)

Jorge Dorado (Mindscape)

Rodrigo Sorogoyen (Stockholm)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Ganador: David Trueba por Vivir es fácil con los ojos cerrados

Breixo Corral, Pablo Alén por Tres bodas de más

Daniel Sánchez Arévalo por La gran familia española

Enric Rufas, Fernando Franco García por La herida

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Ganador: A. Hernández y Mariano Barroso por Todas las mujeres

Carlos Bardem y Santiago A. Zannou por Alacrán enamorado

Alejandro Hernández y Manuel Martín Cuenca por Caníbal

Francisco Roncal, Jorge A. Lara por Zipi y Zape y el Club de la Canica

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Ganador: Pat Metheny por Vivir es fácil con los ojos cerrados

Emilio Aragón por A Night in Old México

Óscar Navarro por La mula

Joan Valent por Las brujas de Zugarramurdi

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

Ganadora: Do You Really Want To Be In Love - La gran familia española, de Josh Rouse

Rap - 15 años y un día

Aquí sigo - A Night in Old México

De cerca del mar - Alegrías de Cádiz

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Ganador: Carlos Berneses por Las brujas de Zugarramurdi

Marta Sánchez de Miguel por Tres bodas de más

Josep Amorós por Los últimos días

Koldo Zuazua por Zipi y Zape y el Club de la Canica

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

Ganador: Pau Esteve Birba por Caníbal

Juan Carlos Gómez por 15 años de un día

Kiko de la Rica por Las brujas de Zugarramurdi

Cristina Prenas por New York Shadows

MEJOR MONTAJE

Ganador: Pablo Blanco por Las brujas de Zugarramurdi.

Alberto De Toro por Tres bodas de más

Nacho Ruíz Capillas por La gran familia española

David Pinillos por La herida

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

Ganadora: Arturo García 'Biaffra', José Luis Arrizabalaga 'Arri' por Las brujas de Zugarramurdi

Llorenç Miquel por Alacrán enamorado

Isabel Viñuales por Caníbal

Juan Pedro de Gaspar por Zipi y Zape y el Club de la canica

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Ganador: Francisco Delgado López por Las brujas de Zugarramurdi

Cristina Rodríguez por Tres bodas de más

Lala Huete por Vivir es fácil por los ojos cerrados

Tatiana Hernández por Los amantes pasajeros

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

Francisco J. Rodríguez Frías, María Dolores Gómez Castro, Las brujas de Zugarramurdi

Eli Adánez, Sergio Pérez por Tres bodas de más

Ana López Puig cerver, Belén López Puig cerver, Grand Piano

Itziar Arrieta, Lola López, La gran familia española

MEJOR SONIDO

Ganador: Charly Schmukler, Nicolás de Poulpiquet por Las brujas de Zugarramurdi

Eva Valiño, Nacho Royo Villanova, Pelayo Gutiérrez por Caníbal

Carlos Faruolo, Jaime Fernández por La gran familia española

Aitor Berenguer Abasol, Jaime Fernández, Nacho Arenas por La herida

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Ganador: Ferrán Piquer, Juan Ramón Molina por Las brujas de Zugarramurdi

Juan Ramón Molina, Juan Ventura Pecellín por La gran familia española

Juanma Nogales, Lluis Ribera Jove por Los últimos días

Endre Korda, Félix Bergés por Zipi y Zape y el Club de la canica

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Ganador: Futbolín (Juan José Campanella)

El extraordinario viaje de Lucius Dumb (Maite Ruiz de Austri)

Hiroku. Defensores de Gaia (Saúl Barreto)

Justin y la espada del valor (Manuel Sicilia)

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

Ganador: Las maestras de la República (Pilar Pérez Solano)

Con la pata quebrada (Diego Galán)

Guadalquivir (J. Gutiérrez Acha)

Món Petit (Marcel Barrena)

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA

Ganador: Azul y no tan rosa (Miguel Ferrari)

El médico alemán (Lucía Puenzo)

Gloria (Sebastián Lelio)

La jaula de oro (Diego Quemada-Díez)

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

Ganador: Amor (Michael Haneke)

La caza (Thomas Vinterberg)

La gran belleza (Paolo Sorrentino)

La vida de Adèle (Abdellatif Kechiche)

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

Ganador: Abstenerse agencias (Gaizka Urresti)

De noche y de pronto (Arantxa Echevarría)

El paraguas de colores (Eduardo Cardoso)

Lucas (Álex Montoya)

MEJOR DE ANIMACIÓN

Ganador: Cuerdas (Pedro Solís)

Blue and Malone, detectives imaginarios (Abraham López)

O Xigante (Julio Vanzele, Luis da Matta)

Vía Tango (Adriana Navarro)

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

Ganador: Minerita (Raúl de la Fuente)

El hombre que estaba allí (D. Suberviola, L. F. Torrente)

La alfombra roja (M. Fernández. I. López)

La gran desilusión (P. González Kuhn)

“AMARCA”/“HOLA, MAMÁ”. ENTREVISTA A JOSE DELGADO.

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Cuando uno observa el trabajo de nuestro protagonista de esta entrevista lo que más llama la atención es la pasión con la que desarrolla su vocación, abriéndose a líneas de actuación a priori inesperadas, pero que se complementan de tal manera que adquieren una incuestionable coherencia. Jose Delgado ha desarrollado su carrera artística principalmente en el terreno de la interpretación, alternando su trabajo en cortometrajes con el teatro, la televisión, las actuaciones en vivo o incluso con actuaciones musicales. Sin embargo, esta faceta la ha combinado también con la de dirección, con los cortometrajes “Confesión” o “Los Ojos del Alma”, realizados junto a su hermano Pedro Delgado. Sus dos últimos proyectos son “Amarca”, trabajo que inaugura una serie de cortos sobre leyendas aborígenes e historias de la conquista y colonización de las Islas Canarias, y “Hola, Mamá”, adaptación de un relato breve escrito por el propio Jose Delgado y protagonizado por José Luis de Madariaga. En Adivina Quién Viene al Cine hemos tenido ocasión de entrevistar a este verdadero hombre orquesta y hablar de tanto de su trayectoria artística como de sus más recientes cortometrajes.

1. ¿De dónde surge tu interés por la interpretación?

Esto suena a topicazo. Mis primeros recuerdos de “jugar al teatro” son de mi infancia, con mi tía, Tanci Velázquez (la cual aparece en “Hola, Mamá”), hermano y primas hacíamos pequeñas historias y las representábamos, el telón era una manta y la entrada una peseta.

La primera incursión a clases de teatro la tuve en el instituto. No me llegó a cuajar porque tampoco se llegó a concretar nada. Hubo un primer punto de inflexión en mi vida a los 17 años, viendo una obra de Guillermo Horta, actor, músico y bailarín cubano. Supe que lo que quería hacer era actor, cosa que compartí con mis estudios en Bellas Artes. Recientemente tuve otro punto de inflexión, que refuerza este sentimiento de reafirmación y descubrimiento, esta vez fue con David Larible, el mejor payaso del mundo.

2. Has hecho participado en cortos, publicidad, televisión, ¿dónde te sientes más cómodo?

Cada cual tiene sus partes positivas y partes menos gratas, es difícil quedarse con una parte en concreto. Cuando te gusta algo, aprendes a minimizar lo negativo y quedarte con lo positivo, pero se crea mucha más atmósfera, compañerismo y, digamos, magia, en los cortos.

3. También has desarrollado una faceta como cantante, e incluso te has dirigido hacia un tipo de performance artística. ¿Qué te aportan estos apartados?

Cantante por supervivencia, jeje. No, no me considero cantante, sería una osadía hacerlo. ¿Me gusta cantar? Si, es una herramienta que utilizo en el desarrollo de mi trabajo diario. Las performances artísticas deben hacerse con intencionalidad, una forma de protestar contra algo o alguien. En definitiva, creo que todas las manifestaciones artísticas deben tener como objetivo el compromiso social y la denuncia de algo, que genere algún tipo de reacción.

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4. ¿El interés por la dirección es simultáneo a la atracción por la interpretación?

Mi primer corto fue dirigido en 1999. Aproveche la práctica de una asignatura de la carrera para desarrollar un proyecto. Me gustó la idea, la experiencia y a partir de ahí...

Son dos roles diferentes, depende mucho del momento. Ambas facetas sirven para expresar algo, a través de un proyecto global como es dirigir algo, o mediante un personaje de perfil definido o no. Disfruto dirigiendo o actuando, pero reconozco que el dirigir lleva más responsabilidad y más quebraderos de cabeza.

5. ¿Quién lleva los pantalones, Jose Delgado actor o Jose Delgado director?

Sin dudar, Jose Delgado persona, el cual se los quita para ponerse los pantalones de actor, de director o de payaso. Son tres tipos de pantalones, pero al finalizar el día siempre sigo siendo la persona.

6. Tus trabajos suelen dirigirse más hacia historias de tono turbio, aunque la comedia también juega un papel importante en tu trayectoria, ¿en qué tipo de historias te sientes más cómodo?

Aquellas que hagan que se te remuevan las tripas por dentro, que generen sentimientos, que rías, que llores, que te enfades, que empatices con el personaje, que lo quieras o lo odies. Me gusta generar esa catarsis y ver cómo la gente se libera.

7. Sueles trabajar con un grupo de personas más o menos estable, ¿Qué nos puedes comentar de tus más directos colaboradores?

Existe una pieza fundamental que es Pedro Delgado, mi hermano. Él se encarga de la guionización y de darle vueltas a todo. Es una persona indispensable en cualquiera de los proyectos de Slimbrothers. Tana González es una persona que en mayor o menos medida puede abarcar cualquier tipo de rol, desde ayudante de dirección, fotografía hasta maquillaje. Es un verdadero profesional y mejor compañero. La lista es larga, pero en “Hola, Mamá”, contamos con Gabriel García, ayudante de dirección y director de fotografía; Eva Gara Delgado, Dirección artística; Migue Herrera, sonido; Zulema Díaz, script; recientemente, Jonathan Cruz, música; o Vasni Ramos postproducción. No siempre es la misma gente por imposibilidad de horarios, pero siempre se intenta llamar a las personas que darán ese toque de calidad necesario.

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8. “Hola, Mamá” se basa en un relato corto propio, ¿de dónde surge el interés por adaptarlo al cine?

Por llevar el patetismo de ese drama a algo real, no sólo imaginarlo, sino vivirlo.

9. ¿Hay divergencias entre el texto escrito y la versión fílmica?

No, es literal, con todas las palabras, aunque he tenido que acortar el metraje. El metraje original va a 20 minutos de actuación, mientras que la segunda versión es más corta, se reduce el texto y ha quedado en unos 13,48 sin créditos. Espero que en total, se llegue a 15 minutos.

10. Por lo que podemos ver, el corto es un one-man-show de José Luis de Madariaga, ¿qué nos puedes comentar de su interpretación?

Sin palabras, una fuente de recursos, emociones y buen hacer. MAGISTRAL.

11. ¿Qué ha sido lo más sencillo y lo más conflictivo del rodaje?

Con el equipo de “Hola, Mamá” todo fue muy sencillo, un rodaje de 7 horas.

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12. Recientemente también has estado trabajando en “Amarca”, co-dirigida junto a Pedro Delgado. ¿Qué nos puedes adelantar de este proyecto?

Pedro Delgado recopiló 13 leyendas aborígenes. Con el tiempo hemos decidido llevarlas a cabo, empezando, lógicamente, por el primero, “Amarca”. Podríamos haber escogido cualquier temática, pero es un punto altamente interesante, no desde la perspectiva de la confrontación y la resistencia, pero sí desde el punto de vista de la leyenda y el contarlo como un cuento. Relatado desde el punto de vista de unos monjes escribanos 100 años después de dar por finalizada la conquista, narra la historia de Amarca, una bella aborigen que rechazaba a todos los pretendientes hasta dar con Gariaiga, pastor que le quiso entregar su corazón y que desembocó en una historia trágica. Esta visión me parece muy interesante, contar las historias con ese trasfondo de leyenda, como lo que es.

13. ¿Cómo ha sido el proceso de documentación y recreación de la Canarias precolombina?

Cuando te pones a leer, a documentarte, a buscar información o al hablar con especialistas, o personas que llevan años en contacto con gente, te das cuenta que nos han contado una parte del cuento, la historia de Canarias en la época aborigen está llena de lagunas y preguntas que nadie ha contestado. Desde luego y evidentemente no se puede construir una identidad con una base tan débil y menos venderla como única.

14. ¿Cuándo podremos ver estos dos nuevos trabajos?

“Amarca” está a puntito de estrenarse por segunda vez. La primera proyección se hizo en diciembre en el Cine Fajardo de Icod de los vinos, asistieron 400 personas y se recaudaron cerca de 500 juguetes que se repartieron el Día de Reyes a los niños que más lo necesitaban. Una buena iniciativa respaldada por los vecinos y asistentes. “Hola, Mamá” esta en fase de edición, en el proceso de composición de la B.S.O. a cargo de Jonathan Cruz.

15. ¿Cómo ves el estado del panorama audiovisual en Canarias?

A veces se confunde cine hecho en canarias con película en la que sale un par de planos de Tenerife y por eso te pido una subvención… creo que se debe ser un poco más serios y verdaderamente apoyar a la gente que dentro de 10 años seguirá haciendo cosas en su tierra. Para ello también es necesario un apoyo de los medios, que vean que esto también es cultura, que quedará por tiempo y no es una simple anécdota. A mi me genera un poco de “desasosiego” ver cómo no se le da mucha cancha a los contadores de historias, y sin embargo hay más iniciativa en personas independientes que tienen su blog personal y que son leídos por muchísimas personas. Creo que los medios clásicos podrían hacer más para darle difusión por medio de colaboraciones con estas personas que apuestan por el cine, por que es lo que les hace vibrar y lo hacen con pasión. A ellos, incluido tú, Manuel, felicidades.


IN MEMORIAM. SHIRLEY TEMPLE. ALICIA EN BABILONIA

ESTRENOS DEL 14 DE FEBRERO

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Solo para dos

Habituado al género de la comedia, generalmente con tono ácido y mala uva tras títulos como “El Penalti Más Largo del Mundo”, “El Club de los Suicidas” o “Al Final del Camino”, el director Roberto Santiago regresa este fin de semana a las carteleras con “Sólo para Dos”, una cinta que juega con los patrones de la comedia romántica para hablar de todo lo contrario, la crisis de pareja. En esta ocasión los protagonistas no son dos desconocidos que viven un amor apasionado, sino una pareja que tras 10 años juntos se enfrentan a la pérdida de la pasión y el enfriamiento de la relación. Tomando como referencia la comedia de Stanley Donen “Lío en Río”, el director afronta esta cinta de encargo con un reparto encabezado por el español Santi Millán y la argentina Martina Gusman, a los que acompañan Nicolás Cabré, Dafne Fernández, Antonio Garrido, Mariam Hernández, Paula Kohan y María Nela Sinisterra.

Gonzalo y Valentina son un español y una argentina que viven en Isla Margarita y que regentan un hotel que sólo admite parejas. Después de varios años juntos, su amor atraviesa un momento de crisis tal vez por el desgaste del tiempo o la falta de pasión. La llegada de los nuevos huéspedes, entre los que se encuentra el primer soltero que se aloja en el hotel desde que lo abrieron, pondrá a prueba su relación. El mar Caribe, los celos, las mentiras, las medias verdades, son los principales ingredientes de esta historia.

Cuando todo está perdido

El director J.C. Chandor llamó la atención en 2011 gracias a su opera prima, “Margin Call”, donde apostaba por un reparto coral para hacer referencia a los inicios de la crisis económica internacional. Ahora cambia de registro y apuesta por un one man show a cargo de Robert Redford en una historia de supervivencia ambientada en alta mar. Se trata de una película áspera y dura, sin apenas diálogos, donde el dinamismo de la puesta en escena se basa en la relación entre el protagonista y el océano que le rodea.

Durante un viaje en solitario por el Océano Índico, un hombre del que desconocemos el nombre, se despierta y descubre que hay una vía de agua en su velero de 11 metros de eslora que ha chocado contra un contenedor abandonado en alta mar. Con el equipo de navegación averiado y sin radio, el hombre no sabe que se dirige hacia una terrible tormenta.

Cuento de Invierno

Akiva Goldsman es uno de los nombres fuertes dentro de la industria de Hollywood. Alternando su faceta de guionista con la de productor ha sido el artífice de blockbusters como “El Cliente”, “Batman Forever”, “Yo, Robot”, “Sr. y Sra. Smith”, “El Código DaVinci” o “Soy Leyenda”. También, en alianza con Ron Howard, ha sido responsable de títulos como “Una Mente Maravillosa” o “Cinderella Man. El Hombre que No se Dejó Tumbar”. Ahora ha decidido dar el salto a la dirección, debutando con la adaptación de la novela de Mark Helprin, “Cuento de Invierno”, del a que él mismo ha escrito también el guion.

Ambientada en una ciudad de Nueva York mítica y con una acción que se desarrolla en un lapso temporal de más de un siglo, “Cuento de Invierno” es una historia sobre milagros, destinos cruzados y la vieja lucha entre el bien y el mal. Un ladrón pretende robar en una mansión pensando que está vacía; sin embargo, Beverly Penn, la enferma hija del propietario, se encuentra en la casa. Ambos se conocen y se enamoran, pero la chica está a punto de morir.

La cinta está protagonizada por Colin Farrell y Jessica Brown Findlay, y cuenta también con la participación de Jennifer Connelly, Russell Crowe, Matt Bomer, William Hurt, Eva Marie Saint y un cameo de Will Smith.

RoboCop

En 1987 el director Paul Verhoeven dio el salto al cine estadounidense con la película “Robocop”, ciencia ficción hiperviolenta y cargada de cinismo y crítica social con la que el cineasta ponía sobre la mesa las claves del cine que había ido desarrollando en su Holanda natal. Durante 10 años, Hollywood fue permisivo con su narrativa agresiva y sexualizada, hasta que finalmente, el cineasta tuvo que regresar a su país ante las cortapisas que la industria le imponía. En 2007, el cineasta brasileño Jose Padilha se dio a conocer a nivel internacional con “Tropa de Élite”, película ambientada en las favelas y también marcada por una narrativa contundente y violenta, con un afilado y polémico discurso político. La segunda entrega de esta película, estrenada en 2010 se alzó como la película más taquillera de su país y Padilha se convirtió en objetivo de los estudios de Hollywood. Su primer proyecto para la industria estadounidense ha sido precisamente un remake de “Robocop”, con Joel Kinnaman, visto en la serie de televisión “The Killing”, ahora en la piel del cyborg en sustitución del original Peter Weller.

Estamos en el año 2028 y la compañía multinacional OmniCorp manda en el área de la tecnología robótica. Sus robots han ganado todo tipo de guerras fuera del territorio estadounidense y ahora quieren aplicar esa tecnología punta en el ámbito nacional. Por otra parte, Alex Murphy es un policía de Detroit que se esfuerza al máximo por acabar con la ola de crimen que arrasa la ciudad. Después de ser críticamente herido durante el cumplimiento del deber, OmniCorp aprovechará la ocasión para utilizar su gran conocimiento de la ciencia robótica y salvar a Alex, dotándole de nuevos e increíbles poderes, que irán acompañados de problemas a los que un hombre corriente jamás ha tenido que enfrentarse.

Junto a Kinnaman esta nueva versión ha contado con rostros bien asentados en Hollywood como Gary Oldman, Samuel L. Jackson, Michael Keaton, Jay Baruchel, Abbie Cornish o Jackie Earle Haley.

ESPECIAL SAN VALENTÍN

GALARDONADOS X PREMIOS DE LA CRÍTICA MUSICAL CINEMATOGRÁFICA (PREMIOS SCOREMAGACINE)

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grand piano

"Grand Piano" continúa cosechando éxitos en este arranque de año. El score de Víctor Reyes, incomprensiblemente ignorado en los Goya, se ha alzado con el premio a mejor partitura española según nuestro jurado, integrado por las mejores plumas críticas de la música cinematográfica española. En la categoría de compositor, el francés afincado en España desde hace 27 años, Pascal Gaigne ha sido el merecedor del galardón gracias a un extraordinario 2013 en el que ha destacado con trabajos tan extraordinarios como "The Last Days of Lucifer", "Las Manos De Mi Madre" o "Izenik Gabe", documental sobre el artista Zumeta. En una de las más reñidas confrontaciones que se recuerdan en las ya largas diez ediciones de estos premios, el mejor score extranjero ha sido considerado "La Migliore Offerta" del octogenario Ennio Morricone, en dura competencia con el Romeo y Julieta de Korzeniowski y el resto de oponentes. El japonés Joe Hisaishi, en un 2013 repleto de encargos de entre los que han destacado "Kaze Tachinu", la última obra de Miyazaki, y "Tokyo Family", se ha alzado con el premio a mejor compositor extranjero del 2013. Los premios nacionales serán entregados a los compositores ganadores durante la próxima edición de FIMUCITÉ 8 (Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife), que se celebrará el próximo mes de julio, con la Orquesta Sinfónica de la ciudad interpretando una suite de sendos trabajos.

El jurado de esta X edición, compuesto por 32 miembros, ha estado integrado por (orden alfabético): Juan Francisco Álvarez (Encadenados.org), Ricardo Borrero (Cine y Bso), Eduardo Casanova (Cope Valencia), Xavier Cazeneuve (El Violí Vermell-Catalunya Música), Demetris Christodoulides (IFMCA, Scoremagacine), Gorka Cornejo (Scoremagacine), Manuel E. Díaz Noda (adivinaquienvienealcine.com, FIMUCITÉ), Ramón Esteban (Radio Marca: "La Claqueta"), Josep Lluís Falcó (Historiador, Revista Musical Catalana, Universitat de Barcelona), Teresa Fraile (Doctora por Universidad Extremadura de Didáctica de la Expresión Musical; autora libro "Música de cine en España: Señas de Identidad"), Ignacio Garrido (Scoremagacine), Nacho Gonzalo (LoQueYoTeDiga.net), Sergio Hardasmal (Revista Acción Cine Video), David Huélamo (nochedecine.com), Joaquín López González (Doctor en Historia y Ciencias de la música por Universidad de Granada y autor de artículos sobre música de cine), Martín Llade (Radio Clásica: "Todas las mañanas del mundo"; La 2), Rut Martínez (Periodista y Productora Musical), David Miner (COPE), Pablo Nieto (Scoremagacine), Matilde Olarte (Doctora en etnomusicología española por Universidad de Salamanca, autora libros de Música y Cine), Miguel Ángel Ordóñez (Scoremagacine, Revista Academia), Joan Padrol (Dirigido Por), Antonio Pardo Larrosa (Revista Melómano), David Rodríguez Cerdán (Scherzo, Revista Academia), José Vidal Rodríguez de Liébana (Scoremagacine), Joaquín Rodríguez Fernández (labutaca.net), Juan Manuel Ruiz (Caimán: Cuadernos de Cine), Miguel Fernando Ruiz de Villalobos (Imágenes de Actualidad), Juan Ángel Saiz (Rosebud, Scoremúsica), David Serna (Scoremagacine), Javier Suárez-Pajares (Doctor en Musicología por Universidad Complutense de Madrid, Diverdi) y Frederic Torres (Scoremagacine).

La lista de GANADORES del 2013, en sus respectivos apartados, son los siguientes:

MEJOR BANDA SONORA NACIONAL

Grand Piano (Víctor Reyes)

MEJOR COMPOSITOR NACIONAL

Pascal Gaigne

MEJOR BANDA SONORA EXTRANJERA

La Migliore Offerta (Ennio Morricone)

MEJOR COMPOSITOR EXTRANJERO

Joe Hisaishi

ESTRENOS DEL 21 DE FEBRERO

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Reducida pero original propuesta la que nos ofrecen las carteleras este fin de semana. Empezamos con una pequeña producción canaria que demuestra que el talento y la creatividad no dependen del presupuesto de la película. Nos llega también el nuevo experimento de Spike Jonze, una cinta inserta dentro de la carrera hacia los Oscars. Y por último tenemos toda una superproducción hollywoodiense, plagada de estrellas y avalada por la personalidad de George Clooney.
Muchachos
“Muchachos” es una pequeña película coral, rodada con mucho cariño y empeño por parte del cineasta Raúl Jiménez, autor también del guion. En la producción han participado artistas y técnicos tanto profesionales como amateurs, procedentes muchos de ellos de los talleres de creación cinematográfica impartidos por el director. Las localizaciones de Tenerife, la naturalidad de los diálogos y las situaciones y el carácter comprometido de la producción marcan los parámetros de esta emotiva cinta medio camino de la comedia y el drama. Tres muchachos jóvenes se pasan las horas muertas frecuentando diferentes paisajes urbanos interactuando con personajes muy singulares, desde un delincuente común que atemoriza a sus vecinos, pasando por un padre de familia buscando trabajo hasta un abuelo solitario y testarudo desencantado con la vida, todos ellos desarrollan sus vidas paralelamente en las mismas calles.
El reparto incluye nombres como Miguel A. Batista Rey, Antonio Cifo, Iván Prieto Abdul, Airam Hernández Molina, Héctor Castro Alonso, Manolo Guerra, Edgar García y Alba Pérez, todos ellos acompañados en papeles secundarios por Antonio Trujillo, Juan Puelles, Antonio de la Cruz, Juan Carlos Tacoronte, Zebensui Felipe, Daniel Tapia, Attenery Brito, Cuchi Mafiote, Francisco Javier Plasencia, Ricardo del Castillo, Lorena Matute, Fátima Luzardo, Antonio Conejo y Ulises Hernández. Ahora tras su paso por el Festival Internacional de Cine Iberoamericano de Huelva, ya podremos disfrutar este fin de semana de esta película en Tenerife. “Muchachos” se podrá ver este viernes en Aguere Espacio Cultural a las 20.30 y 22.30, y en TEA Tenerife Espacio de las Artes viernes, sábado y domingo a las 19.00 y las 21.30.
her
Cinco años separan a “Her” de la anterior película de Spike Jonze, “Donde Viven los Monstruos”. Tras probar fortuna con una cinta que requería un nivel de producción mayor para reflejar aquel mundo de fantasía creado por Maurice Sendak, el director de “Cómo Ser John Malkovich” o “Adaptation. El Ladrón de Orquídeas” regresa a historias más intimistas personales con esta cinta protagonizada por Joaquin Phoenix y la voz (en versión original) de Scarlett Johansson. En un futuro cercano, Theodore, un escritor solitario, consigue un nuevo sistema operativo basado en el modelo de Inteligencia Artificial y diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Para sorpresa de Theodore, se crea una relación romántica entre él y la voz femenina de este sistema operativo
La cinta supone el primer guion original escrito por Jonze y ha contado también con la presencia de actores secundarios como cuenta Rooney Mara, Bill Hader, Kristen Wiig, Amy Adams o Chris Pratt. La película cuenta con cinco candidaturas a los Oscars: Mejor Película, Mejor Guion Original, Mejor Diseño de Producción, Mejor Partitura original y Mejor Canción.
Monument Men
El tándem formado por George Clooney y Grant Heslov ha dado pruebas evidentes de éxito, especialmente con la oscarizada “Argo”. Ahora ambos, en calidad de productores y guionistas, nos presentan “Monument Men”, donde además Clooney ejerce de principal protagonista y director. Basada en unos sucesos reales sobre la mayor búsqueda de tesoros artísticos de la Historia, la cinta se centra en un insólito batallón de la Segunda Guerra Mundial al que Franklin D. Roosevelt encomienda la tarea de adentrarse en Alemania para recuperar las obras de arte sustraídas por el ejército nazi y retornarlas a sus legítimos propietarios. Era una misión imposible: con las obras de arte confinadas detrás de las líneas enemigas y las órdenes del ejército alemán de destruirlo absolutamente todo en cuanto el Reich cayera, ¿cómo aspiraban estos hombres –siete directores de museos, conservadores e historiadores de arte, más familiarizados todos ellos con Miguel Ángel que con el fusil M1– poder conseguir su objetivo? Pero dado que los Monuments Men, tal y como se les denominaba, se enfrentaban a una carrera contrarreloj para evitar la destrucción de miles de años de cultura, arriesgaron sus vidas para proteger y salvaguardar los mayores logros de la humanidad.
Pensada más como una película con componentes de cine bélico, aventuras y comedia, la cinta cuenta también con el tirón comercial de estrellas como Matt Damon, Cate Blanchett, Bill Murray, John Goodman, Jean Dujardin, Bob Balaban o Hugh Bonneville. La película se presenta ahora en nuestras carteleras tras su paso por el Festival de Berlín, donde la troupe de Clooney se encargó de inaugurar el certamen, aunque la prensa especializada no fuera especialmente magnánima con los esfuerzos del director de “Buenas Noches y Buena Suerte”. Ahora, estos “Monument Men” deberán pasar su prueba más dura, la del público, aunque quizás sea una audiencia más afín a las características de la película que la critica que suele desplazarse a eventos como el Festival de Berlín.
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